El FICX ha lanzado la segunda edición de ENTER, el Festival de tráileres de películas imaginarias organizado por Enfants Terribles y cuya primera edición tuvo lugar el pasado 2020. Un total de diecinueve trabajos han sido presentados desde centros educativos de Tinero, El Entrego, Mieres y Gijón, entre los que se pueden encontrar tres piezas de stop motion, siete de documental, tres de ficción y seis de terror.

El objetivo de ENTER es invitar a los alumnos de primaria, secundaria y bachillerato a participar en el Festival fomentando la creación de una programación propia y acompañándola de trabajos audiovisuales. La propuesta se suma a la oferta audiovisual para escolares de Enfants Terribles que cuenta además con guías didácticas cuyas pautas, recomendaciones y actividades sirven al trabajo posterior que se hace en en el aula en torno a las películas visionadas.

Teatro Jovellanos

17:30h WE’RE ALL GOING TO THE WORLD’S FAIR (Mejor Película Jurado Joven)

Entrada 4€ (no son válidos bono, pase ni acreditación del Festival)

20:00h RIEN À FOUTRE (Mejor Película Retueyos)

Entrada 4€ (no son válidos bono, pase ni acreditación del Festival)

Las entradas para estas dos sesiones se ponen hoy a la venta a las 13:30 horas en la taquilla del Teatro Jovellanos y en www.ficx.tv.

Ocine

12:00h | UNA PELÍCULA SOBRE PAREJAS (Mejor Película Española)

Pase extra mañana domingo 28 a las 12:00 h en Ocine Premium Los Fresnos, Sala 3. Entrada gratuita hasta completar aforo (retirada de entradas solo en taquilla de Ocine)

SESIONES DE HOY DE PELÍCULAS DEL PALMARÉS:

POULET FRITES (Premio al Mejor Actor para Jean-Michel Lemoine)

Último pase en sala en CINES YELMO Y9 SUNDANCE TV | 17:00h

Disponible en FILMIN desde hoy a las 22:30 h y hasta el 29 de noviembre a las 22:30 h.

PALESTRA (Premio FIPRESCI al Mejor Largometraje de la Selección Oficial Tierres en Trance)

Último pase en sala en CINES YELMO 11 | 19:15h

Disponible en FILMIN desde hoy a las 22:00 h y hasta el 29 de noviembre a las 22:00 h.

LA FRACTURE (Premio del Público)

Último pase en sala hoy en CINES YELMO 9 | 22:00h

CAPTAIN VOLKONOGOV ESCAPED (Premio CIMA al Mejor Largometraje dirigido por una mujer)

Último pase en sala hoy en CINES YELMO 11 | 22:00H

El Jurado Internacional de la Competición Retueyos de la 59ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón, integrado por Astrid Adverbe, Fon Cortizo e Isabel Orellana ha concedido los siguientes premios a los largometrajes participantes en la Selección Oficial – Competición Retueyos:

PREMIO AL MEJOR LARGOMETRAJE

Rien à foutre de Emmanuel Marre y Julie Lecoustre

(Bélgica, Francia, 2021)

“Por mostrarnos una realidad precarizada fundamentada en las apariencias, en la que se nos despoja de todo, y donde progresivamente se revelan la realidad íntima y la soledad de la protagonista. Una película que nos devuelve a las personas detrás de compañías deshumanizadas”.

PREMIO AISGE A LA MEJOR ACTRIZ

Anastasia Budiashkina por Olga

(Suiza, Francia, Ucrania, 2021)

“Por una interpretación delicada y conmovedora capaz de mostrarnos su lucha interior entre la pasión y el tormento”.

PREMIO AISGE AL MEJOR ACTOR

Jean-Michel Lemoine por Poulet Frites

(Francia, Bélgica, 2021)

“Por su generosidad y obstinación, sin ocultar sus dudas, impertinencia o sentido del humor. El personaje demuestra que es posible abordar el trabajo policial con humanidad, respeto y sin abusos de poder”.

PREMIO A LA DISTRIBUCIÓN

Neptune Frost de Saul Williams y Anisia Uzeyman 

(Estados Unidos, Ruanda, 2021)

“Por acercarnos a un nuevo lenguaje de rebelión, utilizando elementos culturales propios para mostrar una estética futurista de resistencia a las imposiciones de género, el neocolonialismo, a las narrativas clásicas y al sistema de control generado por las nuevas tecnologías”.

El Jurado Internacional de la Competición Albar de la 59ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, integrado por Pilar Castro, Cíntia Gil y María Pérez Sanz ha concedido los siguientes premios a los largometrajes participantes en la Selección Oficial – Competición Albar:

PREMIO AL MEJOR LARGOMETRAJE

Hygiène sociale de Denis Côté

(Canadá, 2021)

“En un tiempo en el que se cuestionan los espacios de libertad social, personal y artística valoramos la singularidad de esta película y su visión sobre nuestro pasado, presente y futuro. Este Casanova y las mujeres fuertes y contradictorias que le rodean componen un cuerpo verdaderamente cinematográfico lleno de inteligencia y humor”.

El Jurado otorga, además, Mención Especial

 Întregalde de Radu Muntean

 (Rumanía, 2021)

“El Jurado ha decidido otorgar una mención especial a una película que juega con la imaginación colectiva, construyendo un thriller psicológico con los mínimos elementos. Destacamos la profundidad que aporta el gran trabajo de los actores y actrices, haciendo que afloren los fantasmas de este lugar”.

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO

In Front of Your Face por Hong Sang-soo

(Rep. De Corea, 2021)

“El Premio Especial del Jurado es para la bella crónica de un día cualquiera en la vida de una mujer madura, que poco a poco va abriendo capas que nos confrontan con la fragilidad y la contradicción humana”.

PREMIO A LA DISTRIBUCIÓN

The First 54 Years. An Abbreviated Manual for Military Occupation

de Avi Mograbi

(Francia, Finlandia, Israel, Alemania, 2021)

“Por el valor político de esta película, que lucha contra el silenciamiento histórico de uno de los conflictos más injusto y relevante de nuestro tiempo”.

El Jurado FIPRESCI de la 59ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, integrado por Mariona Borrull, Salvatore Marfella y Nick Pinkerton ha concedido los siguientes premios a los largometrajes participantes en la Selección Oficial – Competición Tierres en Trance:

PREMIO FIPRESCI AL MEJOR LARGOMETRAJE

Palestra de Basovih Marinaro y Sofía Jallinsky

(Argentina, 2021)

“Porque baraja sus limitaciones con una inteligencia implacable, si bien libre de todo alarde. A la vez, porque su desenfado punki esconde un agudo ensayo sobre violencias de la masculinidad aliada, una tentativa que se sostiene sobre un elenco en estado de gracia. Pero, sobre todo, porque se yergue como una película absolutamente memorable”.

PREMIO FIPRESCI A LA MEJOR DIRECCIÓN

María Álvarez por Las cercanas

(Argentina, 2021)

“El premio para la mejor dirección va para una película que ha asumido riesgos importantes con los temas que trata, pareciendo incluso a veces estar sobrepasando límites y las decisiones que se toman, a pesar de no ser cómodas en ocasiones, son decisiones fuertes.

El premio va para una película que concede un espacio significativo a los asuntos que trata, una película que no se impacienta cuando los temas se repiten, porque reconoce que, en realidad, no existe tal repetición, pues lo mismo puede ser dicho una y otra vez con diferentes resonancias en cada ocasión”.

El Jurado Internacional de Cortometrajes de la 59ª Edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, formado por Carolina Astudillo Muñoz, Amaia Serrulla y Anne Gaschütz ha decidido otorgar el siguiente premio a la película de la Selección Oficial – Competición Cortometrajes:

PREMIO PRINCIPADO DE ASTURIAS AL MEJOR CORTOMETRAJE

Train Again de Peter Tscherkassky

(Austria, 2021)

“Por su excepcional trabajo visual y sonoro con metraje encontrado que logra crear diferentes atmósferas oníricas en un juego de miradas entre trenes y rostros, que se traducen en un viaje por la historia del cine y de la humanidad”.

El Jurado otorga, además, Mención Especial

 Otacustas de Mercedes Gaviria

 (Argentina, Colombia, 2020)

“Por su sensibilidad y mirada a la hora de abordar su historia y la de su país”.

El Jurado Joven de la 59ª Edición del Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón, formado por Elena del Frade Abad, Martín Feito Roces, Martín Fernández Suárez, Antón González Fernandez, Maya Gutiérrez Mori, Elena Juanmartí, Lena Lackmann, Claire Manon, Tarik Rahim, Daniel Esteban Ruíz Fuentes y Diana Zalacaín Cebollero, ha otorgado los siguientes premios:

PREMIO DEL JURADO JOVEN AL MEJOR LARGOMETRAJE DE LA SELECCIÓN OFICIAL-COMPETICIÓN RETUEYOS

We’re All Going to the World’s Fair de Jane Schoenbrun

(Estados Unidos, 2021)

PREMIO DEL JURADO JOVEN AL MEJOR CORTOMETRAJE DE LA SELECCIÓN OFICIAL

Bato Nebo de Luzia Johow

(Austria, Georgia, 2021)

El Jurado de Cine Español integrado por Manuel Asín, Irati Crespo y Marcos M. Merino ha concedido los siguientes premios:

PREMIO AL MEJOR LARGOMETRAJE ESPAÑOL de la 59ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón

Una película sobre parejas de Natalia Cabral y Oriol Estrada

(República Dominicana, 2021)

PREMIO RCSERVICE AL DIRECTOR Y/O DIRECTORA DE LA MEJOR PELÍCULA ESPAÑOLA

Natalia Cabral y Oriol Estrada por Una película sobre parejas

(República Dominicana, 2021)

PREMIO ALMA AL MEJOR GUION DE PELÍCULA ESPAÑOLA

Una película sobre parejas de Natalia Cabral y Oriol Estrada

(República Dominicana, 2021)

PREMIO DCP DELUXE AL MEJOR DIRECTOR DE LARGOMETRAJE ESPAÑOL

Joan Tisminetzky por D’Ombres

(España, 2021)

“Hemos decidido premiar dos películas que consideramos unidas por un diálogo intergeneracional en torno a la posibilidad de una artesanía honesta, y una consideración en ambos casos luminosa de la vitalidad del cine.

El Premio DCP Deluxe es para una obra que logra expresar algo aparentemente simple pero misterioso: que la luz juega un papel esencial en la aventura colectiva e individual, y que el cine es un instrumento de comprensión del presente: D’ombres de Juan Tisminetzky.

Los premios ALMA al mejor guion, y el premio al mejor largometraje español, son para una obra transparente sobre lo que conlleva el cine como forma de vida y de relación: Una película sobre parejas de Natalia Cabral y Oriol Estrada”.

El jurado integrado por Guadalupe Balager Trelles, Lola Beccaria y Susana Guardiola ha concedido el PREMIO CIMA AL MEJOR LARGOMETRAJE DIRIGIDO POR UNA MUJER:

Captain Volkonogov Escaped de Natasha Merkulova y Aleksey Chupov

(Rusia, Estonia, Francia, 2021)

“Apostamos por mujeres que se atreven a pensar en proyectos ambiciosos y los llevan a cabo con enorme talento. Un tema que visto desde la mirada de una mujer cambia radicalmente el discurso. Una parábola posmoderna sobre un maltratador que se da cuenta de que tiene alma y decide salir del círculo de la violencia. Un thriller místico donde nos preguntamos si es posible el perdón”.

El Jurado formado por Ana Suárez, Diego Llorente y Francisco González Orejasha concedido los siguientes premios, patrocinados por RTPA:

PREMIO RTPA AL MEJOR LARGOMETRAJE ASTURIANO

Shooting for Mirza de Juan Gautier

(España, Bosnia y Herzegovina, 2021)

«Por analizar la construcción de un mito deportivo desde un enfoque de derechos humanos y de su relación familiar».

PREMIU RTPA DE LA COMPETICIÓN ASTURIES CURTIUMETRAXES

Epokhe de Elmer Guevara

(España, 2021)

«Por su visión personal y transgresora de un segmento de la juventud en conflicto con su propio tiempo».

MENCIÓN ESPECIAL RTPA DE LA COMPETICIÓN ASTURIES CURTIUMETRAXES

Nyami Nyami de David Rodríguez

(España, 2021)

Laboral Cinemateca ha concedido el premio de distribución LABORAL CINEMATECA CORTOS al siguiente cortometraje:

Manual de la siega de Samuel Fernandi

(España, 2021)

El Jurado integrado por los miembros de la asociación XEGA Yosune Álvarez, Patt Picón, Francisco Borrego y Borja Ibaseta ha concedido el PREMIO “RAMBAL” a:

Moneyboys de C.B. Yi

(Austria, Francia, Taiwán, Bélgica, 2021)

“Por ser capaz de mostrar la realidad del colectivo LGTBI en un país tan lejano como China pero que no difiere tanto de nuestra propia experiencia y realidad; el personaje principal, cuya experiencia nos recuerda mucho a la de nuestros mayores, pone por delante las necesidades de su propia familia a las suyas propias llegando a negarse a sí mismo abrirse al afecto y a los cuidados de su propia orientación e identidad.

La película consigue además reflejar de una forma magnífica y brutal las diferencias entre el pueblo y la ciudad, lo nuevo y lo viejo y la lucha por el progreso social y económico en una sociedad fundamentalmente injusta en la que el colectivo LGTBI carece de derechos y, salvo muy raras excepciones como es esta película, es incapaz de verse reflejada en la gran pantalla porque la censura del gobierno prohíbe este tipo de contenidos en TV, cine y redes sociales”.

El Jurado otorga, además, Mención Especial a

 La Fracture de Catherine Corsini

 (Francia, 2021)

“Por realizar una película de contenido social totalmente vigente y necesario que aúna problemáticas que nos preocupan a todas: la soledad, la subsistencia, la libertad de expresión y manifestación, la violencia o el continuo y paulatino recorte de los servicios públicos a favor de los intereses privados. Todo ello con un toque de humor absolutamente necesario en el que la pareja de mujeres lesbianas no solo están perfectamente integradas en la sociedad sino que son una parte más de la historia normalizando así la realidad e identidad lésbica”.

Las y los jóvenes espectadores de la sección Enfants Terribles por medio de sus votaciones, han otorgado el siguiente premio:

PREMIO ENFANTS TERRIBLES AL MEJOR LARGOMETRAJE

La estrella de los simios de Linda Hambäck

(Noruega, Suecia, Dinamarca, 2021)

El público de la 59 edición del Festival Internacional de Cine de Gijón ha concedido los siguientes premios:

PREMIO DEL PÚBLICO (Audience Award):

La Fracture de Catherine Corsini

(Francia, 2021)

PREMIO DEL PÚBLICO DE LA COMPETICIÓN TIERRES EN TRANCE A LA DISTRIBUCIÓN

Welcome to ma maison de Andrés Goteira

(España, 2021)

PREMIO EUROPA JOVEN A LA MEJOR DIRECCIÓN DE LARGOMETRAJE EUROPEO

Ninjababy de Yngvild Sve Flikke

(Noruega, 2021)

El Premio “PROYECTO CORTO MOVISTAR+ – PECERA ESTUDIO – FREE YOUR MIND 2021” es para el proyecto titulado:

El pensamiento mágico presentado por Raquel Pedreira y dirigido por

Eva Saiz

El Premio NUEVOS REALIZADORES DEL PRINCIPADO DE ASTURIAS formado por Carolina Sarmiento, Diego Llorente, Clara Sierra y Alejandro Díaz Castaño, y patrocinado por el Gobierno del Principado de Asturias, ha concedido los siguientes premios a los proyectos:

Campolivar de Alicia Moncholí

El Premio NUEVOS REALIZADORES CONTRA LA VIOLENCIA DE GÉNERO es para:

Un verano sin pájaros de Celia Viada Caso

El Jurado de la sesión PUSH PLAY WORK-IN-PROGRESS de FICX PRO, formado por Roger Koza, Michael Zam y Dimitris Kerkinos ha concedido los siguientes premios:

PREMIO DCP DELUXE Work-in-Progress al proyecto:

Sobre las nubes dirigido por María Aparicio y producido por Pablo Ratto (Trivial Media)

“Como suele suceder con cualquier premio de un work-in-progress, la película se imagina y mejor aún se revela en un plano que puede llegar a glosar su espíritu y su materia. Los pocos minutos vistos de Sobre las nubes fueron suficientes para corroborar en imágenes y sonidos las palabras de la joven cineasta, que expresó su deseo de retratar una ciudad y hacerla protagonista de un relato coral cuyos personajes y derroteros están ligados a la vida laboral. Cualquier plano al azar de Sobre las nubes destila un conocimiento del arte de encuadrar y asimismo el reconocimiento del espacio como categoría estética; de los pocos personajes de las escenas exhibidas se predica la distancia necesaria para prodigarles respeto y un circunspecto cariño. Por estas consideraciones, hemos decidido darle el premio a Sobre las nubes de María Aparicio. Hay en la cineasta una visión del cine y del mundo, hay también una praxis de traducción e impregnación de la visión desplegada en lo que filma”.

PREMIO OpenECAM Work-in-Progress al proyecto:

Puerperio de Pilar Álvarez

“Se presentaron candidaturas muy sólidas y los miembros del jurado deliberaron acaloradamente defendiendo sus posiciones con pasión hasta llegar a la decisión final. El proyecto ganador fue elogiado por la capacidad de la cineasta de compartir -con una tristeza inquebrantable y un humor que se agradece- una experiencia íntima a la que muchas se enfrentan pero de la que muy pocas hablan, la lucha contra la depresión posparto”.

Dentro del programa FICX PRO LAB, el Jurado compuesto por Gloria Benito, Analía G. Alonso y Silvia Cruz, concede el siguiente premio:

PREMIO OpenECAM work-in-progress para:

Hablar de estas cosas de Fernando Lorenzana

 “Por su propuesta basada en la creación colaborativa, sencilla y con objetivos claros que habla de una generación y de la amistad con una mirada femenina”.

ASTURIAS PARAÍSO NATURAL FILM COMMISSION otorga un incentivo para apoyar la realización del proyecto:

                               Cartografías del monte de Samuel Fernandi

“Por su propuesta de convertir el paisaje asturiano en un personaje con identidad propia, que dialoga con las raíces del autor”.

Gijón y su festival suelen estar lejos del oropel de las grandes estrellas del cine. Sin embargo, hoy hemos recibido a una de ellas, Chiara Mastroianni, la cual se ha mostrado absolutamente cordial y cercana en la rueda de prensa previa a la entrega del Premio de Honor FICX21. Sobre el premio ha manifestado que “es un estímulo para seguir mirando hacia adelante en mi carrera como actriz. Nunca miro hacia atrás en mi vida, no se ni cuantas películas he hecho”. 

Respecto a su carrera, preminentemente realizada en Europa, manifestó que “he tenido la suerte de trabajar con grandes cineastas provenientes de todo el mundo”. Trayectoria que fue complicada en su comienzo, ya que “tenía siempre presente las excepcionales carreras de mis padres, las cuales no son representativas de lo que suele ser la trayectoria de un intérprete”. 

Una de las cuestiones que se le hizo fue acerca de su experiencia trabajando con Manoel de Oliveira en La carta (1999) a lo que comentó: “era muy joven y tenía muchas ganas de aprender. Me encontré con que él tenía una manera de trabajar complicada de aceptar, ya que las escenas son como cuadros de gran precisión, realizados mediante planos secuencia muy largos de siete u ocho minutos”. Sin embargo “Una vez que acepté esa situación, el rodaje se convirtió en una experiencia tremendamente provechosa”. 

Sobre Eureka, la película que ha estado rodando en España, comentó que su participación en ella ha sido gracias a Lisandro Alonso (director de la misma), ya que  “era miembro del jurado que me otorgó el premio a la mejor interpretación en el Festival de Cannes. El hecho que después de darme el premio contara conmigo para este proyecto, le ha dado un sentido muy especial al mismo”. Además, recalcó lo estimulante que ha sido trabajar junto a Viggo Mortensen, a quien considera el actor total. 

Ahora mismo la actriz y cantante francesa está inmersa en una obra de teatro por primera vez en su carrera. “Siempre tuve miedo del vértigo que supone el teatro, lo que me hizo rechazar varios papeles. El hecho de que participe Christophe Honoré en el proyecto me hizo dar el paso, a pesar de que es una obra con mucha improvisación por parte de los actores, la cual es retomada por el autor para reescribir la obra”. Finalizó la rueda de prensa resaltando como “la relación con el público es muy superior en el mundo del teatro”. 

El ciclo “A una Coca-Cola de distancia” del 59 FICX finaliza con el encuentro presentado por Ricardo Apilánez con Ana Lambarri, Ángel Santos y Lois Patiño, directores que compiten con sus trabajos en la selección oficial de cortometrajes del festival.

La directora Ana Lambarri presentó su cortometraje 36, Premio Proyecto Corto Movistar+, que cierra su trilogía sobre la violencia sufrida por las mujeres (16; 26) en esta ocasión explorando la incomunicación y el silencio social asociados a la violencia de género. El corto crea una atmósfera tensa a partir de un gran plano secuencia que revela el sufrimiento interno de su protagonista: una mujer que ha sido golpeada instantes antes de celebrar una idílica comida entre amigos en su casa. Lambarri explicó que con la elección de este recurso y con el acercamiento del filme al género del thriller quería “coger al espectador, meterlo dentro de la situación y que no tuviera escapatoria”, algo que ha emocionado al público en las salas e incluso (en sus propias palabras) a ella misma.

Por su parte, el gallego Ángel Santos estrena en el 59 FICX Así vendrá la noche, una película breve centrada en la visión de Andrea, una chica que envía un mensaje de audio a Pablo, su antigua pareja de quien le separa el tiempo, la distancia, el dolor y el rencor. El cortometraje, que funciona a modo de carta larga o novelita del siglo XXI, es “un torrente de palabras en 15 minutos”, un ensayo sobre cómo filmar la voz con el que el director “quería jugar a construir una narración entrelazando palabras y silencios”. Asimismo, Santos ha explicado que Así vendrá la noche servirá como base del largometraje en el que se encuentra trabajando actualmente.

Otro de los principales cineastas del Novo Cine Galego, Lois Patiño, nos acercó a Sycorax, filme en el que, junto a Matías Piñeiro, articula una peculiar y libérrima adaptación de La tempestad de Shakespeare desplazando la acción a las islas Azores, en un tono a medio camino entre lo contemplativo y lo silencioso. Presentado dentro de la Quincena de los Realizadores de Cannes, Sycorax conjuga una mirada poética con una puesta en escena donde los directores fusionan realidad y ficción, mitología e historia, para acercarnos a “las otras” de la historia, en concreto a la bruja Sycorax y al espíritu Ariel. Patiño explicó que su inspiración procedía en parte del ensayo Calibán y la bruja de Silvia Federici y en su interés por explorar cómo la mirada cinematográfica es capaz de teñir la realidad de ficción.

Tras un aplaudido pase de prensa de la película La Fracture (Selección Oficial Albar), la directora Catherine Corsini y la productora Elisabeth Perez han respondido a algunas cuestiones relacionadas con su trabajo.

La Fracture enfrenta al espectador a la realidad de crisis social en la que está sumergida gran parte de Europa poniendo sobre la mesa el proceso de privatización del sistema de sanidad pública y el movimiento social de protesta de los chalecos amarillos.

Corsini, reputada directora que cuenta en su haber con más de una veintena de largometrajes, convierte la desesperación y la vulnerabilidad de las personas que ocupan la sala de espera de un hospital de urgencias, en un espacio común de debate donde la necesidad de diálogo social y, sobre todo, de escucha, se hace evidente. «Cuando el 1 de diciembre de 2018 (una de las primeras manifestaciones de los chalecos amarillos) me encontré en la sala de urgencias de un hospital que estaba desbordado me interesó la idea de reunir lo íntimo y lo colectivo en ese lugar. Me parecía que ese espacio era un terreno de juego muy potente para enfrentar esa diversidad de historias», responde la directora sobre el germen de la idea.

Desamparados en el dolor y necesitados de auxilio están la y los protagonistas de esta obra coral vertebrada principalmente por tres historias: la de una mujer (Valeria Bruni Tedeschi) que está en crisis en su relación de pareja, la de un camionero que es brutalmente agredido por la policía cuando se manifiesta con los chalecos amarillos, y la de una sanitaria de una integridad admirable que se esfuerza por hacer bien su trabajo en mitad de un escenario que se vuelve absolutamente apocalíptico. Personas rotas y enfrentadas, embebidas en su propia realidad, acuden al auxilio urgente de un sistema de sanidad público que se muestra casi herido de muerte y que no deja de ser un lugar común en el que, como indica Corsini, «se crea una situación democrática en la que no hay privilegios sino que se prioriza en función de la gravedad».

La directora también señala que para ella era «especialmente importante trabajar con personal sanitario de verdad y que cuando vieran la película, pudiera contar con su aval». En concreto, Aïssatou Diallo Sagna, que interpreta a una de las sanitarias revelándose como una magnífica actriz, ejerce como auxiliar de enfermería en su día a día.

Con esta película, dice Corsini, «queríamos reírnos de nuestros defectos y unir a esta sociedad dividida. La risa es un buen elemento de unión». Las carcajadas que acompañaron la proyección en este pase de La fracture son una buena demostración de que el relato fílmico crítico y socialmente comprometido no tiene por qué estar exento de humor.

Poulet frites (Policías y patatas fritas) es un documental creado a partir de imágenes grabadas en 2002, durante la investigación de un caso de asesinato en Bruselas. Tras el pase de prensa, sus codirectores Yves Hinant y Jean Libon manifestaron que “una vez conseguimos el permiso de las autoridades, no tuvimos ningún límite a la hora de filmar la investigación”. 

“El proyecto parte de una serie de televisión Belga, que empezamos a realizar en 1985 y para el que tratamos más de 800 casos siendo éste uno de los casos que realizamos” comentó Jean Libon. Posteriormente añadió que “Poulet frites se hizo gracias al covid, ya que habíamos firmado un contrato para otra película, pero con el confinamiento nos vimos obligados a tirar de estas grabaciones antiguas y realizar el proyecto por pura diversión”. 

Por su parte Yves Hinant resaltó que “el rodaje se hizo con una única cámara, para así poder acceder a todos los lugares de la investigación” y que “tardamos tres años en conseguir los permisos para rodar las investigaciones. Tras ello, hicimos un casting previo a los policías y la jueza, para comprobar si tenían un perfil cinematográfico”. 

Jean Libon se mostró rotundo al afirmar que todo lo que aparece en la pantalla es real, partiendo de las 100 horas de grabación que registraron y que “no hay ningún tipo de intencionalidad artística en la película. No me preocupan los temas artísticos, me aburren”. 

Si algo quedó claro tras la rueda de prensa es que son dos autores que se complementan perfectamente entre sí, “uno de nosotros rueda y el otro se ocupa de las tareas de montaje” labor ardua, ya que “para esta investigación rodamos 100 horas de metraje”. 

Premios PUSH PLAY

El jurado PUSH PLAY compuesto por Roger Koza, Michael Zam y Dimitris Kerkinos concede el Premio DCP Deluxe Work-in-Progress, consistente en la Masterización DCP, al proyecto Sobre las nubes, dirigido por María Aparicio y producido por Pablo Ratto (Trivial Media).

Como suele suceder con cualquier premio de un work in progress, la película se imagina y mejor aún se revela en un plano que puede llegar a glosar su espíritu y su materia. Los pocos minutos vistos de Sobre las nubes fueron suficientes para corroborar en imágenes y sonidos las palabras de la joven cineasta, que expresó su deseo de retratar una ciudad y hacerla protagonista de un relato coral cuyos personajes y derroteros están ligados a la vida laboral. Cualquier plano al azar de Sobre las nubes destila un conocimiento del arte de encuadrar y asimismo el reconocimiento del espacio como categoría estética; de los pocos personajes de las escenas exhibidas se predica la distancia necesaria para prodigarles respeto y un circunspecto cariño. Por estas consideraciones, hemos decidido darle el premio a Sobre las nubes de María Aparicio. Hay en la cineasta una visión del cine y del mundo, hay también una praxis de traducción e impregnación de la visión desplegada en lo que filma.

Por otro lado, concede el Premio OpenECAM Work-in-Progress, por su capacidad para compartir, con una tristeza inquebrantable y mucho humor una experiencia íntima que muchos enfrentan pero muy pocos discuten, la lucha contra la depresión posparto, al proyecto Puerperio, de Pilar Álvarez, que otorga la posibilidad de utilizar las instalaciones y equipo disponible en la Escuela de Cine de Madrid.

Premios FICXLab

El jurado LAB, compuesto por Gloria Benito, Analía G. Alonso y Silvia Cruz, concede el premio OpenECAM Work-in-Progress que otorga la Escuela de Cine de la Comunidad de Madrid (ECAM) sea, por su propuesta basada en la creación colaborativa, sencilla y con objetivos claros que habla de una generación y de la amistad con una mirada femenina para Hablar de estas cosas del asturiano Fernando Lorenzana.

Asimismo, otorga el Incentivo Asturias Paraíso Natural Film Commission, consistente en 1.000 euros, por su propuesta de convertir el paisaje asturiano en un personaje con identidad propia, que dialoga con las raíces del autor, al proyecto Cartografías del Monte, del asturiano Samuel Fernandi.

Se celebró en el Toma 3 el encuentro A una Coca Cola de distancia con… dedicado a La noche del corto español, con la participación de Alicia Moncholí (No quiero más), las codirectoras Elena Ballvé Martín y Àlex Gantzer Soler (Les altres coses que ens separen) y Verónica Echegui (Tótem Loba). 

Alicia Moncholí comentó que en su corto, No quiero más, grabó los últimos meses de su abuela de 96 años. “Al principio ella estaba bien, pero poco a poco dejó de comer, como reflejo de querer dejar de  estar viva, por no poder moverse”, añadiendo que “rodé seis horas de material para un corto de ocho minutos de duración”. Sobre futuros proyectos contó que “estoy desarrollando otro corto que espero estrenar en 2023 y estoy escribiendo mi primer largometraje”. 

Las codirectoras de Les altres cose que ens separen, Àlex Gantzer Soler y Elena Ballvé Martín contaron el origen de su proyecto, el cual se debió a que “somos un grupo de seis amigas que estábamos sometidas a una gran cantidad de cambios vitales. Un día tuvimos un momento muy íntimo entre nosotras, el cual fue la semilla de este proyecto”. Sobre sus actrices comentaron que “la forma de transmitir la amistad y confianza que se refleja entre los personajes fue gracias al acierto en el casting a la hora de escoger a las tres actrices protagonistas”. 

Por su parte Verónica Echegui comentaba sobre Tótem Loba que quiso «mostrar una mirada feminista sobre actitudes que hemos visto, denunciando la normalización sobre estas actitudes violentas hacia las mujeres” y “el 90% de lo que aparece en el corto me sucedió a mí personalmente cuando tenía la edad del personaje protagonista”. Sobre su futuro comentó que “dirigir es un reto muy complejo, pero me gusta, por lo que espero repetir la experiencia”. 

Tres obras que plantean una mirada femenina a temas muy diferentes, pero de similar importancia y a cuyas autoras tendremos que seguir la pista en el futuro. 

We’re All Going to the World’s Fair, el primer largo de ficción de Jane Schoenbrun, en el que quiso mostrar una parte del universo de internet, “uniendo el inconsciente con la experiencia cinemática lineal”, como expresó le directore y guionista en la rueda de prensa.

La película muestra de forma cruda la soledad como un problema social acuciante y que no distingue de edades ni clase social. “Para la protagonista internet es una manera de no estar sola, pero cuando apaga el ordenador se siente aún más solitaria, quizás siempre lo ha estado”. Sin embargo, “no intento advertir de los peligros de internet. Quise mostrar tensión y una relación específica con el cine de género”.

Uno de los objetivos del film es “mostrar el espacio mental de una adolescente que se conecta a internet, como forma de mitigar su soledad y cae en las redes de alguien cuyos objetivos no son muy claros”.

Respecto a la relación entre los dos personajes manifestó que “uno de los temas es quién tiene el control, quién tiene la historia en su poder”, por ello “el final es tan ambiguo como el propio internet”.

Uno de los momentos más esperados en el 59FICX llegó el jueves por la mañana con el pase de prensa de Las cercanas, tercer largometraje de la directora argentina María Álvarez, en el que nos cuenta la increíble y emocionante historia real de dos pianistas gemelas nonagenarias.

“El título del documental se refiere, no sólo al vínculo entre ellas, si no a la cercanía con la que tuve que rodar las escenas, debido a lo angosto que era el piso donde vivían” manifestó la directora; añadiendo a continuación que “es parte de una trilogía con mis dos anteriores obras: Las cinéphilas y El tiempo perdido”, habiendo pasado esta última por la 58 edición del FICX.

El origen del proyecto no pudo ser más casual, ya que “estaba preparando una película sobre mi hermana y yo, cuando las vi tomando algo en un local. Otro día me las volví a encontrar (ya que vivían en la misma zona que yo) y decidí hablar con ellas. Ese día comencé este proyecto, que fue tan importante para ellas como para nosotros. No sé si yo las encontré a ellas, o ellas me encontraron a mí”.

Un detalle que María Álvarez no quiso dejar escapar fue que “la película juega continuamente con el concepto de lo bueno y lo malo, tanto en lo referente a su vida juntas, como a las decisiones que tomaron en su momento”, recalcando además sobre esto último que “ellas decidieron sobreponer el arte por encima de casarse y tener hijos, en la década de los 50 en Argentina”. Esto da muestra del carácter feminista y liberal de estas dos mujeres extraordinarias.

También estuvo presente en el acto el productor Tirso Díaz-Jares quien manifestó que “hacemos un cine de guerrilla, con la mínima subvención que otorga el gobierno Argentino. Sin embargo, intentamos hacer una postproducción lo más profesional posible, dentro de nuestros medios”.

Una obra emotiva en grado superlativo, en la que se nos muestran los recuerdos de estas dos mujeres, desde su propia y lejana perspectiva de “una clase social y una época que ya no existe en Argentina”.

Monica Stan y George Chiper-Lillemark directores de Imaculat se presentaron relajados y con ganas de hablar de su ópera prima, en la rueda de prensa posterior a su proyección. Lo primero que hizo Monica Stan fue reconocer que “el guion está basado en mis propias experiencias de juventud, cuando estuve ingresada en un centro de rehabilitación. Así y todo busqué durante mucho tiempo la perspectiva correcta para narrarlo, inclinándome al final por el relato de una niña que se convierte en mujer”.

Por su parte George Chiper-Lillemark alabó el guion escrito por su compañera, que le “pareció muy potente, con mucha minuciosidad y, a la vez, muy natural”. Respecto al formato de pantalla 4/3 usado en la película comentó que “se usó para centrar el foco en el personaje y las relaciones que tiene con el resto de internos, de forma muy física”. Asimismo, el recurso de seguir constantemente con la cámara a la actriz principal “buscaba el objetivo de identificar al espectador con lo que le sucede al personaje que interpreta”.

Precisamente sobre la actriz principal Ana Dumitrascu se expresó el director de la siguiente manera: “Ana surgió de un casting muy largo en el que buscábamos a alguien que pudiera aparentar tener dieciocho años. Ella es una actriz muy madura, pese a su juventud, y posee mucho control de sus emociones, lo que era perfecto para el papel”. A lo que su compañera añadió “Ana estuvo muy interesada en hablar conmigo en todo momento, para así poder crear al personaje de Daria lo mejor posible”.

Monica Stan definió su película como “una obra muy personal, la cual la realizamos justo tal y como queríamos, centrándonos en la expresión visual y actoral”. Una ópera prima realizada por dos directores con mucho futuro por delante y que se podrá volver a ver el jueves 25 a las 17.00 horas en la Sala 12 de los Cines Yelmo.

Clase magistral, como las que realiza el protagonista de su película, fue la que dieron la directora Maria Speth y el cámara Reinhold Vorschneider en la rueda de prensa posterior a la proyección de su documental El profesor Bachmann y su clase.

A Dieter Bachmann lo conocemos desde hace años contó Maria Speth y “fue él quien nos comentó sobre la ciudad en la que trabajaba como profesor. Una ciudad creada por el gobierno nazi alrededor de una fábrica de munición y que ahora mismo está formada, en su mayor parte, por inmigrantes”.

En un principio “iba a ser la ciudad la gran protagonista del documental, por su origen militar, con sus búnkeres y sus tejados planos camuflados con árboles. Pero estando allí, hablamos con gente de varias generaciones y etnias, lo que llevó a la película que acabamos haciendo”

Por su parte, Reinhold Vorschneider comentó que “éramos un equipo de solo cuatro personas, con dos cámaras y un técnico de sonido que colocó varios micrófonos ocultos en el aula” y “gracias a pasar mucho tiempo con los niños antes del rodaje, conseguimos que la cámara se hiciera invisible”. Respecto al protagonista de la cinta comentó que “Bachmann no se esconde tras su rol de profesor, sino que su sinceridad contando cosas de su vida personal, hace que los alumnos cojan confianza y se atrevan a contar sus propios problemas en clase”.

Uno de los momentos que más les impactó a ambos fue cuando los niños “se encontraron con el pasado de la ciudad, el cual desconocían, fue algo muy emocionante”. Premiada con el Oso de Plata y el premio del público en la Berlinale, se podrá volver a ver el sábado 27 a las 15.30 h en el Paraninfo de la Escuela de Comercio.

Dentro de la Selección Oficial TIerres en Trance se presentó el documental español Un cielo impasible, en el que se recrea de una forma más emocional que descriptiva la batalla de Brunete ocurrida durante la Guerra Civil española. Tras el pase de prensa su director David Varela manifestó que la película “va a tener continuidad, ya que es parte de un proyecto de mayor tamaño”.

Asimismo, lo que más le emociona del resultado del proyecto es que algunos de los adolescentes protagonistas le han confesado que “la película les ha cambiado la mirada. Ahora cuando pasan cerca de algunas de las construcciones militares, cuyos restos aún son visibles, sienten que estos les devuelven la mirada e incluso cobran vida”.

“En un principio, la película iba a ser mucho más descriptiva, con textos que situaran la acción cronológicamente, pero vimos que el resultado era demasiado informativo y, finalmente, le dimos al documental un tono mucho más emocional”.

Uno de los aspectos más llamativos de Un cielo impasible es el uso de multitud de tomas realizadas con drones, a lo que David Varela comentó: “el uso de drones es arriesgado y técnicamente difícil. Inicialmente la película iba a estar rodada íntegramente mediante drones pero, gracias a una toma casual (que aparece en el documental) decidieron incluir en el mismo las conversaciones que los adolescentes tienen entre ellos, lo que le dio un toque diferente a la obra”.

También resaltó que siempre quiso trabajar con chavales de la zona, que tuvieran interés en el proyecto, los cuales “se implicaron tanto de forma personal como ideológica. Hicieron todo lo que les pedimos y mucho más”. Un cielo impasible es un ejemplo de cómo se puede fusionar la perspectiva de tres generaciones diferentes sobre algo tan trágico como la Guerra Civil española.

Dentro de los encuentros A una Coca Cola de distancia con, se ha celebrado una tertulia con presencia de una parte de las/os directoras/es españolas/es de cortometrajes que participan en la Selección Oficial de esta edición: Marine de Contes (Silabario), Lucía Estévez (O niño dos paxaros), Teresa Marcos (Patología mamaria) y Samuel Fernandi (Manual de la siega).

Lo primero que quisieron recalcar las/os participantes es que “hay que quitar la connotación negativa a los cortometrajes” porque, según comentó Samuel Fernandi, “un corto en sí mismo es una película, cuyo concepto no depende de su duración”. En la misma línea se manifestó Marine de Contes al aseverar que “prefiero hacer una película buena, aunque no tenga la duración convencional, a hacer un largometraje porque sí”.

Mucho más directa fue Teresa Marcos quien ya se quitó la espina que tenía de hacer largometrajes asegurando que “ahora la duración de mis trabajos depende de su naturaleza, no me obsesiono con volver a hacer un largo”, a lo que Lucía Estévez continuó aseverando que “hay mucha más libertad en el mundo del cortometraje”.

Respecto al tema de los trabajos que presentan en la 59 edición del FICX Lucía Estévez comentó que en este corto “no quise volver a hablar de mí, sino que hablo de mi padre y de la generación de la movida viguesa, mezclando realidad y ficción”. Por su parte Samuel Fernandi quiso mostrar en Manual de la siega “un último registro de este mundo rural asturiano que está a punto de desaparecer”.

Una gran oportunidad para conocer las impresiones de estas/os creadores, a las/os que no hay que valorar por la duración de sus obras, sino por la calidad de las mismas.

En su sexto largometraje 18 ½, Dan Mirvish, nos relata un hecho histórico de mucha gravedad, pero contado en un tono de comedia ligeramente absurda y cuyo germen fue tremendamente casual, según comentó el propio director en la rueda de prensa posterior a la proyección.

“Durante un viaje a Nueva York en noviembre de 2016, fui a visitar a Jules Feiffer, guionista de mi anterior film, justo el día que salió elegido presidente Donald Trump. Me acuerdo que comentamos que si habíamos sobrevivido a Nixon, podríamos hacer lo mismo con Trump. Esa analogía entre ambos y el hecho de quedarme a dormir en el motel de un amigo, construido junto a un lago en los años 50 (y que es el principal escenario de la película), me hicieron pensar que se podría hacer una película a partir de todo ello”.

Un detalle curioso de 18 ½ es el paralelismo existente con el cine de Hitchcock, en lo referente a la existencia de un McGuffin, es decir algo que interesa mucho a los personajes y no tanto al público (en este caso la cinta de audio), con la salvedad de que en este caso, al final de la trama, el McGuffin interesa más a los espectadores que a la pareja protagonista.

Una de sus preocupaciones a la hora de planear la película era “crear una ficción especulativa con personajes históricos de fondo” y destacó que “todos los personajes protagonistas son inventados, pero las conversaciones que se oyen en la cinta están interpretadas a partir de audios reales”.

Una de los protagonistas de la película es la música, compuesta de piezas de Bossanova, Funk y música psicodélica y sobre la que Dan Mirvish comentó que “decidimos no usar música de grupos de la época, como los Rolling Stones, lo cual hubiese salido muy caro y se ha usado infinidad de veces. Por ello toda la música que aparece en 18 ½ fue compuesta por Luis Guerra, con quien ya había trabajado en mi anterior largometraje”.

Jonás Trueba volvió al FICX con un lleno total. Lo hizo para presentar Quién lo impide, uno de los títulos del año, propuesta de cine inmersivo que se adentra en la vida de un grupo de adolescentes para hablarnos de lo que fuimos, lo que somos y lo que seguiremos siendo. El cineasta regresó a Gijón para participar en la selección Crossroads, en colaboración con el Festival de San Sebastián.

Al director español le hizo “ilusión” volver a Gijón, donde en 2010 presentó su ópera prima, Todas las canciones hablan de mí. Fue una ilusión compartida por público y Festival, quizá contagiados por el propio Trueba, para quien “las películas son un espacio privilegiado para compartir, tanto experiencias, como personas, inquietudes y sensaciones”.

Sobre Quién lo impide, Trueba explicó que ha sido “un trabajo de cinco años, durante los cuales realicé una serie de encuentros con los protagonistas” y destacó que es una película que “necesita un diálogo con el público para cobrar vida” por lo que pide que, pese a su extensa duración (220 minutos), “se vea en las salas de cine”.

Trueba retrata en su cine “a gente que me genera curiosidad” como los protagonistas de Quién lo impide. El director sigue haciendo películas con “el mismo equipo” de su ópera prima, “aprendiendo juntos cómo hacerlas”. Por la última, se han llevado la Concha de Plata, el Premio FIPRESCI y Premio Feroz en San Sebastián.

El público no solo ha vuelto a las salas, también lo ha hecho las presentaciones de libros del FICX. Desde Medellín, Jerónimo Atehortúa, autor de Los cines por venir, nos contó cómo se gestó este libro, editado por Muga con el apoyo del FICX: “La idea fue generar una constelación de cineastas con un poder modélico sobre las ideas cinematográficas”, argumentó.

Y la constelación no puede ser más rutilante: Béla Tarr, Víctor Erice, Mariano Llinás, Rita Azevedo Gomes, Víctor Gaviria, Lucrecia Martel, Alice Rohrwacher, Apichatpong Weerasethakul, Carlos Reygadas, Kelly Reichardt, Lav Diaz, Radu Jude, Albert Serra, Pedro Costa, Albertina Carri y el añorado Luis Ospina.

“La selección de cineastas presentes en el libro comenzó cuando estudiaba en la Film Factory de Bela Tarr en Sarajevo – recordó Atehortúa-. En ese momento trabajaba como crítico de cine para un periódico en Colombia y algunos de los cineastas del libro, como Pedro Costa, Carlos Reygadas o Víctor Erice estuvieron en la factoría y vi que tenían un discurso de cómo producir películas al margen de la industria”.

Jerónimo Atehortúa resaltó la capacidad desmitificadora del libro respecto al proceso de creación cinematográfica. En este sentido, el coordinador de esta edición, Leo Simoes, destacó como “encontramos en el libro un estímulo que puede llevar a la creación artística en cualquier disciplina”. Por su parte, la editora Ros Boisier confesó que “al leer el libro, me dejaba llevar por la lectura, dándome la impresión de que estábamos derribando barreras en torno a la creación cinematográfica”.

La presentación de Los cines por venir sirvió también a Atehortúa para enfocar uno de los problemas que vive el cine de su país, Colombia: “La buena salud de la cinematografía se ve amenazada por los gobiernos de turno y por las limitaciones lingüistas que les ponen los productores”. Un problema que da para más de un libro.

Adèle Exarchopoulos (La vida de Adèle) protagoniza de principio a fin Rien à foutre, la película que han presentado en 59FICX sus directores Emmanuel Marre y Julie Lecoustre y que fue premiada en la Semana de la Crítica de Cannes. En ella, según Emmanuel Marre “hicimos un relato de Casandra (Adèle Exarchopoulos) y de toda una generación que vive al día”. Posteriormente añadió “vivimos una vida fragmentada, con cambios constantes en la misma, por ello quisimos que la protagonista fuese una azafata de una compañía aérea low-cost, las cuales hacen cuatro viajes diarios, viendo poco más que la pista de aterrizaje de los aeropuertos”.

Por su parte Julie Lecoustre manifestó que “la protagonista es una azafata, porque vimos que  ellas con su uniforme y sonrisa perenne, crean una especie de máscara en la que no hay espacio para la vulnerabilidad, al igual que ocurre con las redes sociales” y también “al principio ella huye de su familia y de su tristeza, pero al final se enfrenta a sí misma reuniéndose de nuevo con su familia y consiguiendo, gracias a ello, aceptar lo sucedido”.

Al ser preguntado por el origen de este proyecto, Emmanuel Marre comentó que “todo surgió de un vuelo que hice, en el que vi a una azafata que estaba pasándolo realmente mal, sin embargo cuando empezó su servicio cambió de cara, sonriendo como si no le sucediera nada”.

Sobre las circunstancias del rodaje Julie Lecoustre resaltó que “fue una suerte que el rodaje se produjera durante la pandemia, así pudimos trabajar con un equipo muy pequeño de cinco personas en los aeropuertos semivacíos”.

Para finalizar la rueda de prensa Emmanuel Marre quiso destacar como “a las multinacionales les interesa que la juventud piense de manera individualista, no colectiva para así no reclamar derechos laborales de forma conjunta” sin embargo “el ser humano es más fuerte que estas grandes empresas y por eso quiso mostrar gestos muy humanos de los trabajadores de estas multinacionales deshumanizantes.

Película muy interesante a la vez que necesaria y que se podrá ver el martes 23 a las 19.15 en la sala 9 de los Cines Yelmo.

Una de las novedades del 59FICX son los podcasts grabados con público en la cafetería Toma 3. Estos encuentros, con algunos de los cineastas presentes en el festival, son moderados por el crítico y programador de festivales Roger Koza. Ëste presentó a uno de los directores homenajeados este año, João Rosas como un director de “películas que profesan una especie de amor al mundo a través del cine y proporcionan momentos de placer al espectador” y también como “observador de la experiencia de los sentimientos en la vida cotidiana, algo muy difícil de observar y mucho más de filmar”.

El director portugués se mostró satisfecho al manifestar que “en nuestro país tenemos la suerte de poseer la libertad de filmar lo que quieras, ya que nos dan el dinero para producir la película sin esperar que mucha gente vaya a verla”. Así mismo reconoció una de sus mayores influencias como guionista en la figura de João César Monteiro “a la hora de filmar lo cotidiano y mostrar, de una manera simple, las cosas complejas que nos suceden mientras vivimos”. 

Uno de los aspectos con los que más disfruta, en su calidad de cineasta, es “el conflicto que se genera entre el texto escrito por él y las improvisaciones que van surgiendo por parte de los actores, en los ensayos previos al rodaje”, mientras que se manifestó en contra de “la sopa sonora de las películas, en las que se mezclan diálogos, música y sonido ambiente. Yo intento que el sonido ambiente de los lugares en los que ruedo sea un personaje más de mis películas”.

Respecto al futuro próximo, “estoy preparando un largometraje, que voy a empezar a reescribir en Enero, siguiendo con el mismo Universo de mis anteriores obras, las cuales pueden verse como un documental clandestino, en el que vemos crecer a su protagonista”.

Uno de los directores más interesantes del cine rumano actual, Radu Muntean presenta una película en el FICX por tercera vez, tras Tuesday after Christmas (2010, mejor largometraje en 48FICX) y Alice T. (2018). En ella “exploramos los límites de la generosidad cuando los cooperantes tienen que escoger entre su propia seguridad o continuar siendo generosos”.

De forma afable y cercana, el director rumano comentó: “empecé a explorar el tema hace diez años y, junto con mis dos guionistas, participé en dos de estas expediciones humanitarias que se dedican a llevar alimentos a las zonas más aisladas del país”. Así mismo comentó “hubo múltiples problemas a la hora de rodar mezclando actores profesionales y gente de las localidades cercanas” sin embargo “fue un acierto dar con Luca Sabin (el actor que encarna a Kente, detonante de la trama), ya que usamos parte de su biografía, para darle vida al personaje”.

Radu Muntean considera muy importante el choque que se produce entre la gente de la ciudad y la del pueblo, ya que “hay una falta de comunicación entre ambos mundos”, concluyendo que este tipo de cine tiene más éxito fuera de Rumanía que en su propio país, debido a que sus conciudadanos no están interesados en ver los problemas de su país en una pantalla de cine. Sin embargo “Întegralde está funcionando en Rumanía mejor de lo que esperaba”.

Perteneciente a la Selección Oficial a Competición Albar, esta excelente película se podrá ver hoy lunes a las 22.30 en el Teatro Jovellanos y el martes 23 a las 21.30 en la Sala 12 de los cines Yelmo.

Hoy lunes 22 de noviembre arrancan las jornadas FICXPro 2021 en coproducción con la Asturias Paraíso Natural Film Commission. El programa de actividades se extenderá hasta el jueves 25 de noviembre y se desarrollará en diversas localizaciones de la ciudad de Gijón: el Centro de Cultura Antiguo Instituto (CCAI), Spaces Gijón y Laboral Ciudad de la Cultura.

LUNES 22 DE NOVIEMBRE

Salón de Actos Centro de Cultura Antiguo Instituto

Acceso libre hasta completar aforo

11:15 h. CHARLA | Nuevas ayudas 2021-2027 y sostenibilidad. Europa Creativa MEDIA: Oficina España
PONENTE | Christian Solanas. Comunicación y Promoción. Oficina MEDIA España

12:30 h.  PUSH PLAY Work-in-Progress Pitching Session
Presentación de proyectos en fase de pre-montaje, montaje y postproducción, acompañados de la proyección de fragmentos de las obras. Actividad en castellano. C/ traducción simultánea al inglés

PROYECTOS Y PONENTES

Cando toco un animal (Sétima) | Ángel Filgueira. Dirección
El mapa para tocarte (Lunática Producciones Audiovisuales y Mutante Producciones) | Mercedes Afonso. Dirección
H (Dvein Films) | Carlos Pardo Ros. Dirección
Puerperio (Pilar Álvarez) | Pilar Álvarez. Dirección
Sobre las nubes (Trivial Media) | María Aparicio. Dirección

MARTES 23 DE NOVIEMBRE

Salón de Actos Centro de Cultura Antiguo Instituto

Acceso libre hasta completar aforo

10:30 h. CHARLA – ENCUENTRO: La Incubadora | Bodegón con fantasmas
PONENTES | Rafa Alberola. Responsable de The Screen.Alejandra Mora. Productora Ejecutiva en Quatre Films y Enrique Buleo. Director de Bodegón con fantasmas.

11:30 h. PRESENTACIÓN – ENCUENTRO | Fortaleciendo redes: Ayudas para la organización de festivales y certámenes cinematográficos en España del ICAA
PONENTES | Elisa Rodríguez. Subdirectora General de Promoción y Relaciones Internacionales del ICAA | Beatriz López. Jefa de servicio de Promoción del ICAA | Ana Suarez. Presidenta GABITU
Modera: Alejandro Díaz. Director del Festival Internacional de Cine de Gijón (FICX)

12:30h.  FICX LAB Pitching Session
Presentación de proyectos en fase de desarrollo seleccionados en la convocatoria FICX LAB 2021.

PROYECTOS Y PONENTES

Campolivar (Oberon Media) | Alicia Moncholí. Dirección
Cartografías del monte (Samuel Fernandi) | Samuel Fernandi. Dirección
El fin de todas las cosas (Diego Flórez y Luis Aceituno) | Diego Flórez Álvarez. Dirección
Hablar de estas cosas (Fernando Lorenzana) | Fernando Lorenzana. Dirección
Toda la noche lloviendo (Vicario Films) | Paula Vicario y Ana Sierra. Dirección
FUERA DE CONCURSO:
Trashumancia (Penélope Paniagua Molina) | Penélope Paniagua Molina. Dirección

Las jornadas de profesionales FICXPro 2021, en coproducción con la Asturias Paraíso Natural Film Commission, continúan los días 24, 25 y 26 de noviembre

Os dejamos un resumen de los últimos días de la programación del FICXPro. Nos vemos en las charlas, encuentros…

MIÉRCOLES 24 DE NOVIEMBRE

Salón de Actos Centro de Cultura Antiguo Instituto

Acceso libre hasta completar aforo

12:30 h. CHARLA: ¿CÓMO HAGO QUE MI CORTO SE VEA? Herramientas y estrategias para la elaboración de un plan de distribución. Análisis de casos prácticos. Acceso libre hasta completar aforo

PONENTES | Jorge Rivero. Coordinador Laboral Cinemateca Cortos | Silvia Cruz. Fundadora, Distribuidora y Productora de Vitrine Filmes

Retransmisión en directo por el canal de Youtube del FICX. Puedes acceder pinchando aquí.

JUEVES 25 DE NOVIEMBRE

Salón de Actos Centro de Cultura Antiguo Instituto

Acceso reservado

10:00 h. MASTERCLASS con Michael Zam
Masterclass de guion impartida por el profesional Michael Zam. Acompañado de Pamela Biénzobas colaboradora FICXPro.
Acceso reservado al alumnado de Academia FICX y representantes de los proyectos seleccionados en FICXPro LAB

11:15 h.  JORNADAS. Acción / FICX: ¿De qué viven los directores y directoras de cine?
Acceso reservado
Diálogo entre profesionales de la dirección sobre el título que da nombre a las jornadas. Con el objetivo de generar un manifiesto a través del que hacer público la realidad que vive la mayoría de la profesión.

18:30 h.  Encuentro entre cineastas y asociaciones Acceso reservado

La asociación de directores Acción presentará sus estrategias y actividades claves en pos de mejorar la situación de la profesión en nuestro país. Dirigida a cineastas y asociaciones con el objetivo de favorecer el acercamiento entre profesionales y la colaboración.

VIERNES 26 DE NOVIEMBRE

Acceso reservado

De 09:30 a 14:30 h | LOCATION TOUR, descubriendo localizaciones. Acceso reservado

Recorrido organizado por el Gijón Convention Bureau a través del Área de Turismo de Divertia Gijón, en colaboración con la Asturias Paraíso Natural Film Commission, la Asociación Acción y el FICX. Acercamos espacios singulares de la ciudad de Gijón a cineastas, mostrando las posibilidades que ofrece la ciudad para acoger rodajes cinematográficos.

La covid-19 hizo que ficx.tv se hiciera viral en 2020. Este año, el FICX ha vuelto a los cines, pero mantiene la actividad on line en FILMIN para el público que no puede ver nuestra Selección Oficial en las salas, programación que comienza hoy con Amor Fati.

Hasta el lunes 29 de noviembre, Filmin estrenará, durante tiempo limitado, títulos de las tres competiciones de la Selección Oficial (Retueyos, Albar y Tierres en Trance). Estos pases cuestan 10 € para quienes no están suscritos a FILMIN (e incluye un mes de suscripción) y 5 € para usuarios de la plataforma.

Todas las películas seleccionadas en este pase digital FILMIN tienen su estreno en España en Gijón, e incluye estrenos europeos (18 ½, en Albar) y premières mundiales (Un cielo impasible y Welcome to Ma Maison, de Tierres en Trance).

Puedes descargar toda la programación del FIX ONLINE 2021 en este enlace.

Uno de los momentos más esperados del 59 FICX es el estreno en España de El Planeta, la ópera prima de Amalia Ulman. Un Gijón en un “sensual” blanco y negro que muestra otra cara de la ciudad, alejada de los folletos de turismo, la que la directora plasmó a través de “dos hormiguitas con problemas universales”.

Amalia protagoniza El Planeta junto a su madre Ale Ulman. “Ser dirigida por ella fue un placer. Hicimos aquella prueba y fue aceptada para hacer la película, recordó la actriz. “La película habla sobre dos personas que se quieren y cómo esta relación se puede ver afectada por las circunstancias”, contó la artista a la que el FICX le dedicó un foco en 2020. Para ella, “cuantas más mujeres haya haciendo cine, habrá más películas sobre madres e hijas”.

Tomando como punto de partida el caso real de dos mujeres, madre e hija, que estafaron hace unos años a diversos locales gijoneses con la excusa de su relación con un destacado político regional, “hemos desarrollado una historia acerca de la particular idiosincrasia gijonesa”.

Ambas Ulman coincidieron en el buen ambiente generado en el rodaje: “La película se hizo con muy poco presupuesto, el rodaje duró únicamente 17 días, pero hubo mucha implicación de todos los participantes en el mismo”, destacó la directora.

Por su parte, el director de fotografía Carlos Rigo indicó que “fue un acierto rodar en blanco y negro, ya que los primeros días hizo mucho sol, lo que no cuadraba con el tipo de imagen que querían conseguir”. En este sentido, Amalia Ulman fue más allá: “Quisimos rodar en un blanco y negro sensual, como los de La dolce vita, 8½ y El crepúsculo de los dioses ya que al rodar con limitaciones de presupuesto no queríamos tener problemas con la luz gijonesa, tan cambiante”.

Esa luz gijonesa se verá esta tarde (21) en el Teatro Jovellanos (19:30h) y el lunes 22 en los Yelmo 10 Telecable (17h).

Desde 2011 el FICX otorga el premio Mujer de cine, que reivindica el trabajo y la visibilidad de las mujeres en el ámbito cinematográfico. En esta edición la galardonada ha sido la actriz, guionista y directora Icíar Bollaín, que recibió el premio en el Teatro Jovellanos, antes de la proyección de Maixabel, su último trabajo. En Gijón/Xixón, Bollaín dijo que en su última película “hay una idea de poner en valor la capacidad de diálogo, de empatía”.

Contó Icíar Bollaín en el encuentro con la prensa que siempre le ha gustado contar historias y que “cuando era actriz pedía a los directores que me dejaran ir a la sala de montaje, para aprender todo lo posible”. Otra de las razones que le hicieron dar el paso a la dirección fue “poder identificarme con los personajes que iba a crear, lo cual no conseguía en mis trabajos como actriz”. Y su encuentro con Chus Gutiérrez fue decisivo, cuando la directora la eligió para protagonizar su ópera prima. “Es necesario tener referentes. Cuando vi a una chica como yo [por Chus Gutiérrez] dirigiendo me dije: pues quizá yo también puedo”. Pudo. Y por su trabajo como directora y guionista se ha visto recompensado con la obtención de dos Goya de un total de once nominaciones, además de reconocimientos en Cannes, Berlín, Guadalajara, Toulouse, Málaga y Valladolid, entre otros festivales internacionales.

Una de las características del cine de Icíar Bollaín es tratar problemas sociales, previamente a haber sido asimilados por la sociedad, ni tratados como tales por los medios de comunicación. La directora lo explicó así: “Yo leo una noticia en el periódico y me pregunto quiénes son esas personas, cómo son en su día a día, no me quedo únicamente en la noticia”. Ese interés por los personajes de las noticias le ha llevado a crear obras pioneras en el tratamiento de temas como la España vaciada, la inmigración o la violencia de género.

En el encuentro con la prensa, Ana Palacios, directora de Mujeres de Cine, recalcó que el premio que en ediciones anteriores recibieron profesionales como la productora Esther García, la directora Isabel Coixet o la actriz Mercedes Sampietro, “es un proyecto para intentar cambiar la realidad a través del conocimiento”.

Una de las películas más bizarras del festival es el “NO documental” Welcome to ma maison perteneciente a la Selección Oficial Tierres en Trance. Para presentarla a los medios de comunicación estuvieron su director Andrés Goteira, la directora de fotografía Lucía C. Pan y el asistente de dirección Nacho Ozores.

Según Andrés Goteira “la idea de la película surgió tras conocer a Igor (el actor principal) en la presentación de Dhogs, su primera película como realizador” y que “la relación entre ambos ha sido como la de una pareja sentimental, siendo los egos personales la mayor dificultad a la hora de rodar”.

Lucía C. Pan manifestó que “la película tiene varias capas de realización, al estar rodada en parte con móviles, parte con cámaras”, además “hay escenas rodadas en directo, sin ninguna preparación y otras muy trabajadas”.

Finalmente el director confesó que “a partir del fugaz encuentro con Nicolas Winding Refn, tuvimos que cambiar el sentido de lo que estábamos haciendo, ya que Igor perdió gran parte del interés por seguir intentando contactar con él” y “hubo fases del proyecto que tiramos la toalla, no teníamos documental”. Eso hizo que “tomáramos otra dirección en la que nosotros mismos nos convertimos en protagonistas del documental”.