La última entrega de los encuentros A una Coca Cola de distancia con… de esta edición del 60FICX se celebró este sábado al mediodía en el Toma 3, con la presencia de las directoras Pili Álvarez y María Abenia. Ambas compitieron en el Festival en la Sección Oficial Tierres en Trance, con los mediometrajes Puerperio y Circe.

La charla fue moderada por nuestra compañera Marí Pérez, quien empezó preguntándoles qué significa el cine para ellas, ya que pudo ver en sus trabajos que éstos eran una manera de realizar una catarsis, con el objetivo de conocerse mejor a sí mismas. Pili Álvarez contestó que “el cine es una manera de observar el mundo y ayudarnos a digerir los sucesos vitales”, mientras que María Abenia afirmó “no hay ninguna imagen que esté eximida de estar relacionada con la expresión humana”.

Respecto a las razones que les llevaron a realizar estos trabajos, María contestó que era un momento difícil de su vida, debido a una ruptura sentimental. Además, “estaba muy enfadada por culpa del problema medioambiental que estamos sufriendo”. Su proceso creativo fue especial, ya que “construí mi relato a partir de las imágenes que vivía de forma diaria”. Por su parte, Pili quiso mostrar el engaño social que supone la maternidad, tal y como se ve normalmente en el cine. “Yo fui madre y nadie me había hablado de lo difícil que es el parto, el cual duró 28 horas y la lactancia”. Por ello, cree que “el poder del cine tiene que construir un imaginario diferente”.

María Abenia resaltó lo duro que fue el rodaje de su película, “con cerdos de 100 kgs de peso, los cuales fueron domesticados durante un año”. Además, “tuvimos unos cuantos días de rodaje con muy mal tiempo, a pesar de estar rodado en una zona tan benigna meteorológicamente como las Islas Canarias”.

Respecto a la cantidad de metraje rodado por Pili en su película, ésta comentó que había dejado fuera de ella muy pocas escenas. “Grabé muy pocas horas en contraste con lo que suele ser habitual, pero lo que aparece es muy real y necesario”. Finalizó la intervención diciendo que en Puerperio “hay un paralelismo entre la maternidad y la realización de una película. La sociedad te enseña que hay que ser una buena madre y en las escuelas de cine te enseñan a ser una buena realizadora de películas”.

El 60FICX se acaba; un año más hemos compartido con todos vosotros las historias y narrativas cinematográficas que hemos considerado más interesantes. Esperamos que, en unos meses, nos volvamos a encontrar con todos vosotros en una nueva edición de este, nuestro y vuestro festival.

En el Salón de Actos de la Antigua Escuela de Comercio se celebró un encuentro con dos de las artistas homenajeadas en este 60FICX, la directora y guionista Patricia Ferreira, Premio Comadre de Cine 2022, y la diseñadora de vestuario Sonia Grande, Premio Isaac del Rivero. El acto fue moderado por el director del festival, Alejandro Díaz Castaño, y contó con la presencia de Begoña Piñero, presidenta de la Tertulia Feminista Las Comadres y con Goretti Avello Álvarez, directora general de Igualdad entre Mujeres y Hombres en el Ayuntamiento de Gijón/Xixón.

Patricia Ferreira quiso, en primer lugar, dar las gracias a los festivales de cine, ya que “han mantenido viva la llama del cine de autor en España”. Asimismo nos confesó que fue a los 15 años cuando “un día decidí ser directora de cine, ya que, entre otras cosas, encontraba algo fascinante en las películas de Bergman y Buñuel. No las entendía y quería desentrañarlas, para ser capaz de hacer yo también películas”.

Sonia Grande habló sobre el proceso de creación de sus diseños, comentando que lo primero que hace es estudiar el guion y mientras lo hace, “me aparecen en mi cabeza imágenes, sobre los personajes, las cuales tengo en consideración para los diseños que luego creo”. Y recalcó que “mi trabajo es hacer una propuesta visual al director de la película”, ya que “antes de que un actor empiece a hablar, el vestuario ya está contando cosas”.

Preguntada sobre sus inicios en el mundo del diseño de vestuario, contestó que “mi formación fue en el mundo del teatro”. Posteriormente comentó que “soy una enamorada del cine italiano, especialmente del trabajo de Danilo Donati, el cual trabajó en numerosas ocasiones con Federico Fellini”.

Finalmente, Patricia Ferreira declaró ”el diseño de vestuario es fundamental para mi trabajo como directora”. Asimismo reconoció que la película que le hubiera gustado dirigir ya que, cuando la vio, le impresionó en muchos aspectos, especialmente en su aspecto narrativo, fue La cinta blanca (Das weisse band, 2006, Michael Haneke).

Este encuentro, con dos de las mujeres más importantes de nuestro cine ha sido, sin duda, uno de los momentos álgidos de esta recta final del 60FICX. Un reconocimiento hacia su obra y su persona, cuanto más necesario, en estos tiempos en los que la brecha de género sigue siendo una de las asignaturas pendientes del mundo del cine en España.

La última presentación de libros en el 60FICX correspondió a la Guía de derechos creativos para directores y directoras de cine, publicación a cargo de la asociación ACCIÓN! de directores y directoras de cine de España. Para hablar sobre esta publicación, estuvieron como moderador el director y periodista Javier Tolentino, la directora Pilar Pérez Solano y los directores Juan Vicente Córdoba, Fon Cortizo y Abraham López.

La primera pregunta realizada por Javier Tolentino fue por qué y cuando surgió la necesidad de hacer este libro. La contestación vino de parte de Juan Vicente, el cual comentó que “la idea surgió en el 59FICX, en el que celebramos unas jornadas abiertas sobre el oficio de dirección de cine. En ellas, Dan Mirvish (director de cine estadounidense) nos informó de la existencia de una Guía para directores americanos, en las que se dan a conocer sus derechos contractuales y de autor”. A lo que añadió que “nuestra asociación es joven, sólo tiene seis años y en toda Europa sólo en Francia tienen una guía parecida a ésta”.

Posteriormente tomó la palabra Pilar Pérez Solano, quien manifestó que “ser director o directora de cine, es un sacrificio tremendo”, aunque quiso matizar que “cada director es diferente, según el tipo de películas que haga”. Por otro lado “es un trabajo en el que sientes mucha soledad, pero también tienes mucha libertad”.

Fon Cortizo manifestó que él hace un cine de autor “muy pequeñito, por lo que me suelen dejar hacer el montaje final”. Respecto a las ayudas que recibe ese tipo de cine contestó que “en Galicia las instituciones potencian las industrias culturales. No dejan fuera a las películas pequeñitas, pero no recibimos el mismo trato”. Finalizó su intervención lamentándose de lo “difícil que es tener un hijo, siendo director de cine”.

Por su parte, Abraham López pertenece al género de la animación, el cual es un tipo de cine muy diferente. “Ahora mismo estoy trabajando en un proyecto con 20 millones de Euros de presupuesto que supone siete años de trabajo para entre 200 y 300 personas. La animación es costosa, pero da muchos rendimientos en taquilla, tanto en España, como en el extranjero”. Sobre la Guía que presentan afirmó que “nunca he visto tan bien explicado el género de animación, como en este libro”. Terminó sus intervenciones afirmando con rotundidad que “en España tenemos que hacer nuestros propios blockbuster”.

Una charla que podría haberse alargado indefinidamente y en la que hubo también intervenciones por parte del público asistente. Una buena muestra de lo necesario y educativo que son estos encuentros dentro de un festival de cine.

Uno de los encuentros más esperados de los celebrados con el nombre de A una Coca-Cola de distancia con…, fue el que se celebró la tarde del viernes en la cafetería Toma 3, con el escritor y guionista Dustin Lance Black, quien presentó estos días su libro Niño de mamá. La moderadora del encuentro fue la escritora y directora Eva Güimil, la cual quiso agradecer a Dustin “por realizar un trabajo a lo largo de su carrera, gracias al cual habrá menos niños que crean que sean los únicos homosexuales del planeta”.

Lo primero que quiso abordar Lance fue que “hay muchas historias sobre el mundo queer que están olvidadas. Por ello es importante saber que tenemos unos antepasados, no familiares, con los que nos podamos identificar y a quienes encontramos en las películas, canciones o libros”. Su trabajo más conocido como guionista es Mi nombre es Harvey Milk (2008, Gus Van Sant) la cual, por lo anteriormente comentado, lo concibió de una manera muy cinematográfica.

Respecto a la situación de los derechos LGTBI+ en los Estados Unidos, comentó que “en momentos de crisis, como el que tenemos ahora mismo, determinados políticos pueden hacer que la gente se sienta mejor, si les dicen que ellos son mejores que las minorías, como los homosexuales o los inmigrantes”. A lo que añadió una bonita anécdota que sucedió al preguntarle un joven si había que seguir luchando por los derechos LGTBI+, a lo que él contesto: “siempre”.

El momento álgido de la charla, el cual nos puso a todos con los sentimientos a flor de piel, sucedió al comentar Lance con tranquila vehemencia ”necesitamos conversar con aquellos que no piensan como nosotros, por muy duro que nos parezca y tender un puente entre esas personas y nosotros, hablando con el corazón”.

Eva Güimil le preguntó por el guion de la película J. Edgar (2011, Clint Eastwood), en el cual se muestra una homosexualidad soterrada. Lance Black le contestó que “no fue un trabajo muy divertido. Es una historia que sirve para prevenirnos, porque si nos quedamos en el armario, como hizo Hoover, atacaremos a esas personas que son como nosotros. No es una historia muy inspiradora”.

Otra pregunta interesante fue la que se refirió a la polémica actual, respecto a que intérpretes heterosexuales representen en el cine a personajes homosexuales. Al respecto comentó “me parece muy inteligente dejar a un actor hetero hacer el papel de un homosexual, pero no tiene por qué ser siempre así. Cuando hicimos Mi nombre es Harvey Milk llamabas a los agentes preguntando por actores y actrices gays y todos te decían que no tenían. De repente, en estos últimos años han aparecido muchos, ya que los propios intérpretes exigen a sus agentes que no los mantengan en el armario”.

El último tema que surgió en esta interesante charla fue el estreno este año de la miniserie Por mandato del cielo (Under the Banner of Heaven), de la que nuestro protagonista fue autor del guion y que según Eva Güimil “es una oscura y desesperanzadora historia”. Lance Black quiso contar esta historia “desde que leí el libro hace diez años, ya que respondió a muchas preguntas sobre la religión con la que crecí. También es una historia de género, ya que en la Iglesia Mormona a las mujeres se las considera sirvientas”. Además, el formato de mini serie “era el formato ideal para algo tan denso como lo que contamos en ella”.

La cafetería Toma 3 acogió este viernes un nuevo encuentro “A una Coca Cola de distancia con…”. En esta ocasión fueron tres directoras las que tomaron la palabra, para hablar de las películas que presentan en este 60FICX. Ellas son Elena López Riera (El agua), Ángeles Huerta (O corpo aberto) y Cristina Grosan (Ordinary Failures). Todo ello moderado por el director de éste, nuestro Festival, Alejandro Díaz Castaño.

En las películas de todas ellas hay una especie de nexo común, ya que en todas ellas hay un halo de fantasía (sea gótica, ciencia ficción o realismo poético). Fue Ángeles Huerta la que abrió fuego, comentando que en su película “hay un halo romántico y a la vez gótico, como una exaltación del romanticismo. Es un trabajo que tiene los límites en su núcleo y que nos muestra la delgada fina que separa los vivos de los muertos, así como de lo irreales que son las fronteras entre las ilusiones y los hechos vividos”.

Por su parte Cristina Grosan señaló que en su trabajo hay “tres historias de tres mujeres con problemas personales, los cuales hacen que no se den cuenta de que el mundo se está acabando justo en ese momento”. Finalmente, Elena López Riera, señaló que en su película también se habla de los límites, ya que «es una mezcla de ficción, documental y cine de catástrofes”.

Sobre si el pasado como documentalista, de determinada manera, a la hora de abordar una película de género como O corpo aberto, Ángeles Huerta manifestó que “son las propias historias las que te llevan a un formato determinado. El documental deja un poso que no te dejan las series o la ficción”. Además, cuando haces documentales “también trabajas con personajes a los que manipulas. La verdad poética, se busca tanto en el documental como en la ficción”.

Preguntadas todas ellas sobre cuánto hay de improvisación en sus obras Ángeles Huerta comentó que “hicimos muchas reescrituras del guion, pero dejamos muchas puertas abiertas, de tal forma que los propios intérpretes aportaron mucho a lo que finalmente se ve en la pantalla”. Por su parte, Cristina Grosan destacó que “salvo un par de escenas puntuales, la mayor improvisación ocurrió en la sala de montaje y en la postproducción de la película”. Finalmente, Elena López Riera dejó muy claro que su guion “se nutrió mucho de los intérpretes que encarnaban los papeles. Eso se nota, sobre todo, en los personajes adolescentes, los cuales hablan de una forma muy realista”. Sorprendió además al confesar que “a Luna Pamies (la joven protagonista) la encontramos en un botellón”.

Finalmente, preguntadas sobre qué destacarían sobre el proceso de elaboración de sus películas Cristina Grosan comentó “el proyecto data de 2017 y teníamos en mente hablar más sobre el capitalismo, la polución, el cambio climático o el consumo excesivo. No sabíamos que iba a haber una pandemia, que acelerara la sensación general de que el mundo se acaba”.

Por su parte Elena López Riera reconoció una influencia clara en su película del realismo poético francés de los años 30 del pasado siglo, más concretamente de la obra de Jean Vigo. Esa influencia implica una mezcla de géneros tan grande como la que se ve en El agua, con su correspondiente dificultad, teniendo en cuenta, además, que este es su primer largometraje. A lo que ella comentó “el vértigo me sirve como herramienta de trabajo. Hemos hecho todo lo que no debería hacerse en una primera película. Hemos sido muy inconscientes”.

Una charla muy interesante con tres directoras con visiones muy particulares y diferentes entre ellas, pero que estamos seguro, darán mucho que hablar (alguna ya lo está haciendo) en muy poco tiempo.

El apocalipsis ha llegado al 60FICX de la mano de Ordinary Failures, película participante en la Sección Oficial Retueyos, la cual ofrece una visión nada optimista, tanto del mundo en el que vivimos como del futuro que nos espera.

Este es el segundo largometraje de su directora Cristina Grosan, tras una larga carrera como realizadora de cortometrajes, quien apareció sonriente en la rueda de prensa, acompañada del productor de la película Marek Novak.

Lo primero que manifestó fue que “mi interés era mostrar esas tres historias íntimas, que se conectan de alguna manera, mientras a su alrededor el mundo se desmorona. Son tres vidas estancadas, de manera diferentes cada una de ellas y que pertenecen a generaciones distintas, las cuales buscan únicamente estar bien consigo mismo”.

Este interés por la historia de estas tres mujeres, hace que la propuesta visual sea quizás demasiado convencional, para una historia que podría considerarse de ciencia ficción. Cristina dejó claro que “tenemos que dejar de creer que todo va a ser perfecto. Estamos en un mundo que está roto, por lo que tenemos que buscar las herramientas para intentar ser feliz. La felicidad no es gratis».

Cuestionada sobre si la pandemia de 2020 fue una de las razones de la creación del proyecto, comentó que “este proyecto tuvo su origen en 2017, antes de la pandemia y de la Guerra de Ucrania. La idea era reflejar los excesos del consumismo excesivo y del capitalismo extremo”.

Por su parte Marek añadió que “el contexto no estaba muy claro, ya que en principio quería hacer algo de sci-fi pero, tras la pandemia todo esto dejo de ser algo tan lejano, como si parecía en 2017 cuando empezamos a construir la película”.

Respecto a las referencias Cristina manifestó que “no he encontrado muchas películas europeas apocalípticas, que tuvieran el tono humano y convencional que yo quería darle. Por eso quise incluir una sucesión de fenómenos atmosféricos reales, como mostrar auroras boreales en el cielo de las ciudades”.

Ordinary Failures nos muestra una Praga muy alejada de la postal turística que todos conocemos. Una Praga plena de cemento y edificios enormes subdivididos en pequeños apartamentos, en los que la gente intenta tener una vida que, por desgracia, se acerca poco a la felicidad.

Este jueves por la mañana, un numeroso grupo de personas tuvieron el privilegio de ser los primeros en contemplar Clorindo Testa, documental que participa en el 60FICX en la Sección Oficial Albar y posteriormente conversar con su director, Mariano Llinás. Se trata de una propuesta difícilmente clasificable, en el que el uso del humor se convierte en nexo de unión entre la realidad y la ficción.

El origen del proyecto surge “a partir de un trabajo que hice para la Fundación Andreani, cuya sede fue diseñada por el arquitecto argentino Clorindo Testa. Al comentarles que Clorindo era amigo de padre y ver su reacción positiva, les propuse hacer un documental sobre su figura, el cual todavía no han visto, ni siquiera saben que es una comedia”.

Preguntado sobre si la apariencia de documental fue una manera de poder sentirse más libre en la ficción indicó que “la pregunta podría haberse hecho en dirección opuesta y la respuesta también sería afirmativa. El mestizaje de géneros sirve para poder hacer cosas que no son posibles en los géneros puros”.

Otro de los temas que surgieron es el tema del duelo (en la acepción de lucha entre dos personas), el cual aparece mucho en sus películas. En el caso que nos ocupa “el enigma es el duelo entre mi padre y yo y cuál es el botín que nos disputamos”.

Cuestionado sobre la situación actual de su país, Mariano Llinás fue categórico al afirmar que su película “intenta sobreponerse al retrato de decadencia triste que acompaña a Argentina desde hace más de cincuenta años. No hay que pensar más en cuentos de hadas, ni por un extremo ni por otro”. El director opina que “el país no necesita que alguien venga a rescatarlo, es lo que es y hay que aceptarlo”.

Finalmente, respecto al tono de comedia presente en el documental, el director reconoció que “me he dado cuenta que no tengo posibilidad de escapar de la comedia. Es mi destino”. Afirmación que confirmó señalando que ahora mismo está escribiendo un guion dramático, pero únicamente le salen diálogos de comedia. Finalizó una de las ruedas de prensa más multitudinarias de esta edición con la siguiente frase: “Clorindo Testa no es una película pesimista, pero sí hay un tono de cierta melancolía”.

Una de las propuestas más originales e impactantes del 60FICX es Camuflaje, el sexto largometraje documental de Jonathan Perel, el cual participa en la Sección Oficial Tierres en Trance. Todo un torrente de sensaciones, en el que el espectador acompaña a su protagonista por una especie de parque de atracciones del horror.

“El proyecto surgió cuando Félix Bruzzone, escritor y protagonista del documental, se dirigió a mí, con una novela que estaba escribiendo sobre la estancia de su madre en Campo de Mayo», la guarnición militar más grande de Argentina y que se convirtió en el mayor centro de tortura y exterminio, durante la dictadura del General Videla”.

Bruzzone le propuso a Perel la posibilidad de hacer un documental sobre esta historia, a lo que el director aceptó, pero “le puse como condición que él fuera la persona sobre la que gira todo el documental, ese corredor que se va encontrando a su paso personajes y situaciones cada vez más estrambóticos y gracias a ellos, puede entrar en el recinto de forma clandestina”.

Una de los aspectos más destacables de Camuflaje es que “no tiene fin, se podría enlazar perfectamente la escena final con el principio de la película y todo seguiría teniendo sentido”, pero “no tiene una estructura circular sino, más bien, en forma de espiral. Cuando crees que estás llegando al final del viaje, tienes que volver a empezar”.

En su desarrollo “la película va transitando desde el relato más personal, cuando Bruzzone pasea conversando con su tía, hasta el más grotesco, representado en esa carrera extrema en el interior de la guarnición” con la que finaliza (o comienza) este recorrido tan particular, hacia el interior del protagonista.

Perteneciente a la Sección Oficial Albar, se presenta en el 60FICX “crónica de un amor efímero”, el decimoprimer largometraje como director de Emmanuel Mouret. Una nueva muestra de su universo personal basado en el azar, las relaciones personales y su complejidad.

El origen del proyecto “surgió de un taller de escritura al que me llamaron para supervisar textos. Allí Pierre Guiraud me presentó un tratamiento sobre el tema de dos personas que tienen una relación un poco especial. Le pedí permiso para retomarlo y reescribir el guion, un poco a mi manera. Me interesaba esta situación inicial de partida, en el que el peligro son los sentimientos, el enamorarse”.

Una pregunta que se hizo Emmanuel en el proceso de creación era la siguiente: “¿Es posible tener una relación de un placer intenso, sin que lleguen los sentimientos, ni haya intención de crear un proyecto de futuro?» Sin embargo, lo que siempre tuvo muy claro es que “en toda relación hay un deseo de volver a ser joven”.

Respecto al final de la película, en el que se muestra uno de los lugares de encuentro de los amantes, pero ya vacío, comentó “quise mostrar que todas las historias, por muy pasajeras que sean, dejan huella en sus protagonistas”. Incluso “una relación efímera puede permanecer en el corazón de la persona, más tiempo y con más intensidad, que una relación más duradera”.

También se le preguntó, sobre las comparaciones entre su cine y el de Woody Allen, a lo que contestó que “me alegra que me comparen con él, uno tiene el desafío de estar a la altura de un cineasta, como Woody Allen, que ha sido tan importante para mí”.

Otro tema que se tocó en la rueda de prensa, es la razón de por qué Emmanuel Mouret no ha actuado en sus tres últimos films. El director francés reconoció que “en mis primeras películas actuaba casi por azar, pero últimamente he podido trabajar con grandes intérpretes a los que puedo pedirles un trabajo más sofisticado, que el que yo puedo ofrecer como actor. Concretamente, en esta película hay un trabajo actoral muy complejo, con escenas muy largas, que yo no habría podido realizar”.

Siempre es un placer para el FICX, recibir a este director con un universo tan reconocible y propio, cuyas historias se acercan al conflicto entre la fidelidad y los sentimientos adquiridos hacia una persona.

Una de las cosas que podemos agradecerle a la tecnología que nos rodea, es la posibilidad de la realización de obras como Al otro lado del mar, participante en la Sección Oficial Tierres en Trance. En ella, sus directores Eloy Domínguez Serén y Samuel Moreno Álvarez nos muestran la correspondencia visual y emocional que compartieron durante casi tres años.

Para Eloy es la tercera vez que acude al FICX, donde ya estuvo presente en 2018 con Hamada. Además, este año, aparte de este proyecto presenta el cortometraje Rompente (2022). Para Samuel, sin embargo, es la primera vez que acude a Gijón. El hecho de que precisamente sea en Gijón el estreno mundial de su película juntos, nos lleva pensar (una vez más) en el FICX, como un punto de encuentro entre directores de todo el mundo.

Ambos directores se conocieron en el Festival Internacional de documentales de Buenos Aires y allí “comenzamos una amistad que continuó posteriormente en la distancia. En una ocasión Samuel me envió material de un corto que estaba realizando” comentó Eloy, añadiendo “yo tenía ganas de hacer algo espontáneo e inocente, por ello le ofrecí a Samuel esta colaboración y, por suerte, aceptó”. El film muestra las dos formas de rodar y de mostrarse emocionalmente de ambos directores, algo que Eloy recalcó que estuvieron ambos de acuerdo ya que les gustaba la idea de que “cada uno aporte su visión única y personal, no buscamos un punto de vista homogéneo”.

Samuel, por su parte, manifestó en tono jocoso que se sentía engañado, ya que “al principio sólo era una comunicación entre nosotros, que nadie más lo iba a ver. El hecho de que seamos dos personas distantes, de países muy diferentes crea un sentimiento de dualidad dentro de la película”.

Sin embargo, hay un paralelismo hermoso en la película. Como mucha otra gente en el mundo, la pandemia del 2020 les creó a ambos una necesidad de acercarse a sus familiares (especialmente a sus mayores), así como de ponerse en contacto de manera más íntima con la naturaleza, el mar en el caso de Eloy y la montaña en el caso de Samuel. Todo ello queda reflejado en la película, de una manera muy natural y a la vez muy bello.

Un registro vital y emocional, que elude los grandes sucesos, pero que, igualmente, resulta muy estimulante para el espectador. Se podrá ver el jueves 17 a las 19.30 horas en OCINE 1 y el viernes 18 a las 17.00 horas en la Sala 7 de Yelmo Ocimax Sala 7.

Tras triunfar en la pasada edición con su película Palestra, ganando la Sección Oficial Tierres en Trance, teníamos mucho interés en recibir en persona a los directores argentinos Sofía Jallinsky y Basovih Marinaro, los cuales este año participan en la Sección Oficial Retueyos con su nueva propuesta, Estertor.

En la rueda de prensa posterior a la proyección, estuvieron acompañados por parte del elenco actoral: Verónica Gérez, Cecilia Marani y Sebastián Romero. Todos ellos respondieron, de forma muy activa y generosa, las preguntas que les formularon tanto profesionales de la prensa, como público presente a la proyección.

La primera afirmación que se escuchó de sus bocas es que “Estertor es una película sobre la crueldad, la cual surge, entre otras razones, por la precaria situación laboral de los protagonistas”. Además, en el momento que aparece el nieto de la persona a la que cuidan “surge una violencia laboral, dentro de la precariedad”.

Respecto a haber incluido un personaje femenino, que está esperando un hijo (como vientre de alquiler) implica que “el bullying y la violencia realizada hacia ese personaje, es hasta más fuerte. La película habla de una explotación tanto social como laboral, una explotación total”.

Todos estuvieron de acuerdo en afirmar que el ambiente de tensión creciente, que se refleja en la pantalla, contrastaba con lo divertido que fue el rodaje y las risas que se producían detrás de la cámara. Aún así, hay cierto humor en la película, gracias al cual “pueden abordar temas más complejos”.

El hecho de rodar prácticamente toda la película en un mismo escenario, el cual también fue el lugar donde ensayaron, facilitó mucho el rodaje. Además, “hubo mucho ensayo, por lo que, a la hora de rodar, había escenas que salieron de forma muy natural”.

Estertor es una película que busca incomodar al espectador y pillarlo siempre con el pie cambiado, ante lo que va a suceder en la pantalla. De momento, no ha sido estrenada en su país de origen, pero ayer y hoy ha dejado su huella en el 60FICX. Esperamos con ansiedad los próximos proyectos de esta pareja de directores, siempre habrá un hueco en nuestro Festival para proyectarlos.

Una de las películas más marcianas (perdón) presentes en el 60FICX y que tuvo ayer su premier mundial, es Misión a Marte. Participante en la Sección Oficial Retueyos, se celebró una rueda de prensa esta mañana, con gran parte del equipo de la película.
Esta película realizada en familia, es el proyecto de fin de carrera de su director Amat Vallmajor, en la Escuela de cine Elías Querejeta. Y su origen se remonta a los viajes en coche, que Amat hacía entre Eibar y Lérida y las historias que se contaban en aquellos viajes por carretera.

Preguntado por la mezcla de géneros presente en el film, Amat comentó que “quise mezclar la comedia y el drama, porque la vida es así también” y que “hay un paralelismo entre el personaje de Txomin y yo mismo”. También reconoció que “puede haber una cierta influencia de los cómics en la historia, sobre todo en la parte cómica de la misma”. Aunque el que colecciona cómics es su tío Gerardo del Pozo, uno de los dos actores principales del film y presente en la rueda de prensa.

Fue precisamente Gerardo, el que quiso comentar la importancia de la banda sonora de la película, formada por Punk vasco de principios de los 80, principalmente de la banda Hertzainak, de la cual fue miembro fundador. También nos narró cómo toda aquella música la tuvo muchos años guardada en cassettes, los cuales trasplantó años después a formato digital y que ahora guarda en lápices de memoria, que ha hecho llegar a sus sobrinos. Sobre la música quiso puntualizar Amat que “tanto la música, como las letras, cuadraban muy bien con la película”.

Por su parte Txomin del Pozo, el otro actor protagonista y también tío de Amat, fue mucho más escueto en sus declaraciones, pero quiso comentar que “hay mucha verbosidad en la película, lo que puede generar que se diluya la idea general”.
Respecto al formato visual tan particular del film, filmado en celuloide de 16 mm, Amat comentó “me siento cómodo con el celuloide. Además, pude usar una máquina de revelado de celuloide de los años 50, que estaba sin utilizar en la Escuela Elías Querejeta. Poder revelar la película en esa máquina, fue muy enriquecedor”.

Estos marcianos provenientes de la Galaxia vascuence, se despidieron del público asistente con loas al FICX, a su programación y al excelente trato recibido. Esperemos que este viaje que acaban de empezar, les lleve por muchas ciudades más.

Proveniente de los Estados Unidos llega al 60FICX una película revolucionaria en su temática, aunque algo convencional en su desarrollo y ejecución, How to Blow Up a Pipeline. En representación de la misma tenemos estos días en Gijón a Ariela Barber, quien ejerce una triple labor de guionista, productora y actriz.

“El origen del proyecto surgió durante la pandemia de 2020. Jordan Sjol (coguionista) y yo estábamos muy enfadados con el mundo en general y la industria contaminante en particular”. Por ello “cuando descubrimos el libro de Andreas Malm (del mismo título que la película) fue una revelación para nosotros y enseguida supimos que había que hacer una película, a partir de este libro de no ficción”.

Respecto a la traslación de un ensayo como el de Andreas Malm a una obra de ficción nos comentó que “fue más sencillo de lo que pensamos en un principio. Andreas nos contestó muy rápidamente de forma afirmativa y nos puso en contacto con activistas del medio ambiente”. Por otro lado “cuando empezamos a seleccionar a los actores el guion no estaba cerrado, porque queríamos que los intérpretes ayudaran a definir a sus propios personajes”. Además “todo el elenco eran personas que conocíamos o admirábamos, por lo que no hicimos casting, si no que contactamos con ellos directamente. Yo no iba a participar como actriz, pero finalmente me convencieron para encarnar a Xochitl”.

Uno de los aspectos más difíciles de concretar fue el tema de la financiación, ya que “ninguna de las grandes productoras, ni las productoras independientes querían nuestro proyecto. Por ello tuvimos que diseminar la producción entre varias personas, a partir de dos apoyos principales”. Posteriormente esas mismas productoras que les habían rechazado “quisieron distribuir la película, una vez que la pudieron ver en Toronto”.

Personalmente para Ariela, se convirtió en un reto muy grande, ya que “nunca había escrito un largometraje, por lo que esta labor se convirtió en una obsesión. Durante un año, lo único que hice fue escribir el guion”.

Uno se pregunta tras ver How to blow up a pipeline, si sería más difícil convencer a la gente de que o todos nos sacrificamos un poco o en unos años no habrá nada que sacrificar. O si la otra única vía posible de salvación sería la acción directa y violenta como la que llevan a cabo los protagonistas de la película, contra los grandes contaminadores planetarios.

Una nueva entrega de A una Coca-Cola de distancia con… se celebró en el Toma 3 con la presencia estelar de una de las cineastas a las que se las dedica un ciclo en este 60FICX, Patricia Mazuy. También colaboró en la charla, la crítica Rosana G. Alonso y la misma fue moderada por Andrea Franco, programadora del festival.

Tras resumir Andrea brevemente la figura de una de las directoras francesas más desconocidas en España, debido a la nula distribución de sus películas en nuestro país, Rosana quiso preguntarle, a la protagonista de la charla, si encuentra en su cine referencias a Agnès Varda o si se la podría relacionar con directoras francesas más actuales, como Céline Sciamma o Emmanuelle Bercot. A lo que Patricia Mazuy dejó muy claro que “soy demasiado salvaje para formar parte de un grupo. Además, es algo que me da mucho temor”.

Posteriormente el coloquio se centró en su último trabajo Bowling Saturne que es, entre otras muchas cosas, “una vuelta de tuerca al cine negro, con una femme fatale muy particular”. Añadió que “no es una película realista, ni naturalista, en la que pretendo reflejar la impotencia del hombre en el siglo XXI” y en la que “el fuera de campo femenino es muy importante en su desarrollo”. Posteriormente, volviendo a conceptos más generales de su cine, manifestó que “el cine no resuelve los problemas, pero es una herramienta para presentarlos”.

Como referencia más importante en el desarrollo del personaje principal de Bowling Saturne Patricia se inspiró en el personaje del abogado corrupto que interpretó Robert Taylor en la magnífica Chicago años 30 (Party Girl 1958, Nicholas Ray). Ambos personajes se encuentran bloqueados y no saben qué dirección tomar en sus vidas.

Finalmente, Andrea Franco se preguntaba si en Francia es más fácil encontrar la financiación de películas tan alejadas de los circuitos comerciales como las que realiza Patricia Mazuy, gracias al modelo francés de subvenciones cinematográficas. A lo que la directora comentó que “hacer películas es muy difícil en cualquier país. En Francia hay una estructura super organizada, pero orientada únicamente a un cine que sigue unos patrones muy determinados. Si te sales de esos patrones, lo tienes muy complicado y tienes que hacer tus obras con mucho menos dinero”. La charla quedó sentenciada con la siguiente frase: “el cine sigue siendo un deporte para ricos”.

Sin duda es un placer para el 60FICX volver a tener bajo nuestro techo, por tercera vez, al cineasta alemán Ulrich Seidl. Una de esas personalidades del mundo del cine, que justifican por sí solas la existencia de un festival de cine como el de Gijón. En esta ocasión participa en la Sección Oficial Albar con su película Rimini, tras la cual se dirigió hacia un numeroso público, el cual estaba muy pendiente de escuchar sus palabras.

Como esperábamos, Ulrich Seidl no defraudó a los asistentes y comenzó diciendo que “el arte del cine tiene el deber de contar temáticas conflictivas”. Por ello, “la película debe atacar al espectador y cuando salga de verla sea una persona diferente. Esa es la razón por la que mi cine se mete debajo de la piel”.

Preguntado acerca del personaje principal de Rimini comentó “este personaje se me ocurrió hace 15 años, durante el rodaje de Import/Export (2007). Estaba en un restaurante con Michael Thomas (el actor principal de Rimini) y él de repente se levantó y se puso a cantar a la gente que estaba allí, quedando todo el mundo fascinado por su magnetismo”. En ese mismo momento empezó a crear este personaje que, como todo ser humano, “tiene abismos, pero es alguien con quien el espectador puede llegar a simpatizar”.

Otra cuestión que surgió en la rueda de prensa fue el tema de Sparta la otra película que ha presentado este año y que fue vetada en el Festival de Toronto. Ulrich Seidl se limitó a comentar que “cuando prohíben la exhibición de mis películas, simplemente me quedo en casa”. Añadiendo lo siguiente: “yo no me dejo guiar por los tiempos que corren en cada momento. La temática de las películas tiene que tener un efecto para el espectador y la autocensura es el principio del final en el arte. Por desgracia ya estamos en ese momento de la historia”.

Finalizó la convocatoria comentando que Rimini y Sparta estaban concebidas como una única película, pero tras un primer montaje de más de 3 horas, con el que no estaba satisfecho, «me decidí por dividirlas en dos películas semi independientes”. Sin embargo, más adelante habrá un montaje que mezclará las dos películas y que se titulará Juegos malos.

Si hay un tema que puede dar lugar a un debate es la eutanasia voluntaria y ese precisamente es el argumento de Pink Moon, el primer largometraje de ficción de la directora Floor van der Meulen y que participa en la Sección Oficial Retueyos. Por ello, en la rueda de prensa posterior a la proyección, hubo gran cantidad de cuestiones que contestar por parte de una afable y muy educada Floor van der Meulen.

Lo primero que nos aclaró es que “la idea de este proyecto surgió al querer presentar una relación paternofilial entre dos personas muy diferentes y separadas por la brecha intergeneracional” asimismo tenía un “miedo personal a que mi padre, en un momento determinado, desee su propia muerte y quería expresarlo en la película”. Este es un tema muy actual en su país, ya que “en Holanda hay mucha gente mayor que está luchando por tener el derecho de morirse cuando ellos lo deseen”.

Respecto al aspecto visual del film “la mayor parte del tiempo usamos un estilo visual simple, sin ángulos de cámara complicados, porque queríamos centrarnos en la historia. Al final, hicimos un plano secuencia de 12 minutos para destacar que en ese momento la protagonista asume que tiene que dejar irse a su padre y para nosotros era muy importante que, en ese momento, le mirara a los ojos directamente”. Además recalcó que “el sonido era muy importante en esa escena final”.

La película oscila de forma excelente entre el drama y la comedia, consiguiendo un tono muy acertado entre ambos géneros. Como la propia directora manifestó “el propio tono de la vida oscila entre el drama y la comedia. La muerte y la vida van de la mano, con una línea muy difusa entre ellas”.

Uno de los temas que no quedan cerrados al final de la proyección es el de la canción de la cual no recuerda el padre el título de la misma y le pide ayuda a su hija. Ella intentará comprender los que le sucede a su padre a través de la búsqueda infructuosa de esa canción, pero no tendrá éxito porque “la vida no te da todas las respuestas”. La canción era precisamente Pink Moon de Nick Drake.

Respecto a su posición sobre el tema de que trata la película, Floor van der Meulen manifestó que “al principio tenía una posición muy liberal al respecto, en cuanto que cada uno es libre de hacer con su vida lo que desee. Sin embargo, tras hablar con bastantes personas que se han visto involucradas en este tipo de situaciones, me he dado cuenta que hay todo tipo de posturas y que todas podrían ser correctas”.

Sin duda Pink Moon es un muy prometedor debut en la dirección de largometrajes de ficción y será una de las películas preferidas por el gran público del FICX en la presente edición. Además, es un largometraje que generará debate entre el público, no sólo por su temática si no también por sus cualidades técnicas.

Continuando con la tradición del FICX de apadrinar publicaciones de libros relacionados con el cine, tuvo lugar en el Toma 3 la presentación del libro Rebobinando. El libro de la generación del videoclub, del escritor y director de cine José Fernández Riveiro. Presentado por el escritor y crítico de cine Jesús Palacios y ante un público muy participativo, se produjo una sesión de nostalgia cinéfila, la cual derivó hacia multitud de temas culturales y sociológicos.

Comenzó la charla Jesús Palacios explicando que la génesis del libro es el documental del mismo título, dirigido también por José Fernández en 2017. En dicho documental se hacía un repaso por la historia del fenómeno del videoclub, incluyendo numerosas entrevistas a los protagonistas del llamado “Cine de videoclub”. El libro surge con posterioridad “como una necesidad de poder añadir en él gran parte de lo que no se pudo incluir en el documental, como las portadas de las cintas de video (tan míticas en su época) o algunas de las entrevistas y anécdotas que, por falta de espacio, quedaron fuera del documental”.

También se quiso reivindicar la figura del videoclub como escuela de muchos directores ahora admirados por todos, como Quentin Tarantino, Nicolas Winding Refn, Álex de la Iglesia o Jaume Balagueró.

Otra de las características que se quiso destacar de aquellos establecimientos es que “en sus estanterías se alternaban las grandes producciones, con otros títulos mucho más modestos que, en algunas ocasiones, eran versiones piratas de los primeros”. Por ello se puede decir que, en aquel momento, “el formato se impuso a la forma”.

Otro de los aspectos más interesantes que quiso destacar Jesús Palacios fue que “el auge de los videoclubs coincidió en el tiempo con la Ley Miró de subvenciones a las producciones cinematográficas, lo que hizo que las películas de serie B españolas (tanto las de género de terror, como las comedias) se tuvieran que refugiar en el cine que iba dirigido directamente a los videoclubs, sin pasar por las salas de cine, lo que quizás fue precisamente su salvación”. Aspecto en el que el autor de libro estuvo totalmente de acuerdo y añadió que “gracias a dirigir sus películas a los videoclubs, estos directores españoles tuvieron aún menos restricciones para poder expresarse con total libertad”.

Antes de comenzar un extenso diálogo con el público presente en el acto, José Fernández Riveiro manifestó que “los videoclubs hicieron que se aumentara la producción de películas y facilitó la distribución de muchas películas de serie B». Por ello, a pesar de que la fiebre por los videoclubs hizo que, en aquel momento, muchos cines de barrio acabaran cerrando sus puertas, no cree que haya sido ni mucho menos, algo negativo para el cine.

Durante una hora y media, el Toma 3 de Gijón volvió a sus orígenes y se convirtió en un sitio en el que el alquiler de películas era el tema principal de conversación de la gente allí reunida. Para aquellos interesados en adquirir uno de los pocos ejemplares disponibles de Rebobinando. El libro de la generación del videoclub, pueden dirigirse a la web de la editorial Applehead.

Una de las actividades más interesantes que se han incorporado en los últimos FICX son los podcasts con algunos de los artistas invitados. Este año, uno de esos invitados es el director catalán Albert Serra, por lo que no podíamos dejar pasar la oportunidad de que Roger Koza, crítico, programador y pensador cinematográfico, compartiera mesa y micrófono con uno de los directores más originales de este siglo tan particular que nos toca vivir.

Entre los presentes en el Toma 3 se respiraba una expectación muy particular, la cual se tradujo en un silencio total al inicio del podcast y se transformó en sonoras carcajadas en momentos puntuales. Comenzó la charla con una defensa categórica de la ficción literaria por parte de Albert Serra, ya que según él “la ficción interpela la intimidad de seres humanos” y además “la literatura lo incluye todo: la historia, la filosofía, la sociología, etc.”, por lo que “el mundo se tiene que ver a través de los ojos de la ficción”.

Un concepto que surgió en diferentes momentos de la charla fue el del militarismo. “Ningún director actual tiene un pensamiento militarizado como lo tengo yo” aclarando que “el estado está infiltrado en todos los aspectos de la sociedad, controlándolo todo y creer que no hay un entorno militar que lo dirija, me parece un pensamiento muy naif”.

Otro de los temas que tuvo un amplio desarrollo fue el referente a los intérpretes. Según Albert Serra, los actores, aparte de ser unos vanidosos con mucho dinero, “son como membranas, van a captar lo que hay a su alrededor y lo van a representar”. Asimismo, su personalidad va fluctuando entre el personaje que deben interpretar y su propia persona, por ello “hay que coger al actor, una buena persona y sacarle toda su parte mala a relucir para que, cuando llegue la hora de actuar, sea un personaje más afilado”.

Hablando de la representación cinematográfica y el objetivo que persigue dicha representación, no dudó en comentar que “el cine es un medio de conseguir un resultado puramente estético, mientras araña una pequeña parte de la sociedad que representa” para posteriormente sentenciar que “la esencia de la representación cinematográfica es una perversión”. Tal y como comentó Roger Koza al despedir la charla, se podrían hacer tres o más podcasts con Albert Serra y no nos cansaríamos de escucharle. Para aquellos que no tengan bastante con esta crónica que estáis leyendo, os recordamos que en la web del festival podréis encontrar éste y otros podcasts.

Una película tan compleja y controvertida como Grand Jeté, no podía tener una génesis fácil ni sencilla. Así lo corroboraron su directora Isabelle Stever y su guionista Anna Mielikova, en la rueda de prensa celebrada esta mañana.

El origen del proyecto se remonta a 2006 cuando, según contó Isabelle Stever “una actriz me presentó un tratamiento sobre una relación sexual entre una madre y su hijo”. Tras un primer intento de escritura de guion por parte de la propia directora, le encargó a su colaboradora habitual Anke Sterling que escribiera una novela sobre ese tema. “Una vez escrita la novela, me pareció imposible de filmar, por lo que quedó guardada en un cajón”.

En 2015 Isabelle conoció a Anna Mielikova y, tras varias conversaciones entre ellas, le encargó la adaptación de la novela, lo que según la propia guionista supuso un gran reto, ya que “yo nunca había escrito un guion cinematográfico, únicamente relatos en prosa autobiográficos”. Sin embargo, hubo dos razones que le hicieron decidirse. La primera es que Anna fue bailarina y podía usar su conocimiento sobre el tema en el desarrollo del personaje principal. La segunda es que “como mujer lesbiana que vivía en Moscú, sabía lo que era el hecho de tener una relación no aceptada por la sociedad”.

Isabelle Stever remarcó que “la sensación que quería transmitir es la energía del cuerpo de la protagonista, el cual es el principal personaje de la película”. La directora quiso mostrar que “los personajes son empujados hacia algo desconocido”, por ello la cámara se encuentra casi permanentemente pegada al cuerpo de Nadja y posteriormente también al de Mario, su hijo. De tal forma, el espectador no puede ver que sucede más allá de sus cuerpos y les acompaña en ese viaje hacia lo desconocido.

Preguntadas por cuál había sido el mayor reto a la hora de realizar la película, tuvieron muy claro que éste había sido encontrar financiación para la misma. Finalmente Isabelle manifestó que “Grand Jeté es una película muy abierta a la interpretación por parte del público, el cual puede crear su propia versión. No sabemos si al final los actos de la madre y el hijo van a significar una recompensa o un castigo y tampoco sabemos realmente las motivaciones de Mario, no sabemos si es una persona sensible y responsable o si únicamente busca sensaciones físicas”.

Grand Jeté ha supuesto un reto muy grande para sus creadoras y también supondrá un pequeño reto para el espectador que se acerque a verla hoy lunes a las 22.00 horas en Yelmo Ocimax Sala 7. Quienes lo hagan, conseguirán su recompensa al final de la proyección.

Conducido por Alejandro Díaz Castaño, director de Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón, se presentó en el Toma 3 el proyecto 70 Teclas. Para ello, estuvieron presentes Alfonso Suárez, director, productor y guionista y Alicia Luna, guionista (‘Te doy mis ojos’), los cuales explicaron de forma pormenorizada las bases de este proyecto colaborativo, mediante el cual se editan (o reeditan) guiones de películas españolas.

El origen del proyecto surgió en el funeral de Jesús Robles, fundador de la librería madrileña Ocho y medio, la cual editaba guiones de cine de manera regular. Allí se les ocurrió publicar los guiones de manera colaborativa con los propios guionistas, los cuales ponen el dinero y son ellos los que eligen el texto que se publica.
El nombre del proyecto hace referencia a las 70 teclas del teclado de un ordenador y cada guionista participante en el proyecto (en referencia a los sillones de la Academia de la Lengua) es una tecla del teclado.

Para ellos ha sido determinante el apoyo que están teniendo por parte de DAMA, Derechos de autor para el siglo XXI, asociación que se encarga de muchas de las actividades organizativas referentes a la promoción y presentación de las obras publicadas. Además realiza apoyo económico directo a la publicación, en el caso de que sea necesario.

Hasta ahora son 17 los títulos publicados, los cuales incluyen la recuperación de guiones clásicos de nuestro cine. El primer guion clásico editado por 70 Teclas fue Los peces rojos, escrito por el guionista gijonés Carlos Blanco y que fue trasladado a la pantalla por Jose Antonio Nieves Conde, convirtiéndose en una de las mejores (y menos conocidas) películas clásicas del cine español.

El próximo título que saldrá a la venta próximamente es el guion de Maixabel (2021, Icíar Bollaín), escrito por la propia directora junto con Isa Campo. Los libros se pueden adquirir en la web de la asociación, en la de la librería Ocho y medio y en algunas webs especializadas en libros de cine.

Una película tan viajera como Tetuán tenía que hacer parada obligatoriamente en el 60FICX, participando además en la Sección Oficial Tierres en Trance. Tras la proyección para la prensa, acudieron su directora Iratxe Fresneda y una de sus productoras Gentzane Martínez de Osaba a desentrañar las cuestiones que se les hicieron sobre una obra tan personal, como universal.

Tetúan es la tercera parte de una trilogía sobre la memoria y el registro de la misma. Sobre su origen Iratxe comentó que “el detonante fue la propia historia de mi padre. Así, un impulso íntimo, se convirtió en algo cinematográfico”.

Otra de las protagonistas del documental es la fotógrafa Annemarie Schwarzenbach, la cual murió a principios de los años 40 del pasado siglo y cuya historia surgió a partir del descubrimiento de una fotografía tomada por ella en Tetuán. A partir de ahí, descubrió su trabajo como fotógrafa y su turbulenta vida, “ella fue migrante por necesidad, ya que iba a contracorriente ideológica y sexualmente”.

Los otros dos protagonistas del documental son Irina Conca y Mohamed Iacob, dos emigrantes jóvenes que según la directora “son pura poesía. A Irina la conozco desde siempre y fue muy fácil trabajar con ella, mientras que Mohamed está en continuo movimiento, por lo que era difícil quedar con él”.

Por su parte Gentzane comentó que “el proceso de montaje del film ha durado muchos meses, ya que les costó decidir qué dejar en la película y qué quitar”. Sobre por qué se habían zambullido en un producto tan poco vendible, dejó muy claro que “nos enamoró la idea que nos presentó Iratxe. Además, conocíamos su trabajo, por lo que decidimos lanzarnos a la piscina”.

Para finalizar la rueda de prensa, Iratxe manifestó que “quisimos hacer que la historia llegue al público, no hacerla demasiado densa” y en esta ocasión, a diferencia de sus anteriores trabajos “hay menos voz en off, es más pausada y deja más aire a las personas, para que sean ellas las auténticas protagonistas”.

Tras pasar por el Festival de Venecia, con gran éxito de público y crítica, llega a Gijón Monica el tercer largometraje del director italiano Andrea Pallaoro, el cual participa en la Sección Oficial Retueyos.

Tras la proyección para la prensa, Andrea Pallaoro se mostró tremendamente educado y locuaz ante las preguntas que se le hicieron en la rueda de prensa de rigor. Comenzó su intervención explicando que Monica es la segunda parte de una trilogía, que comenzó en 2017 con Hannah y cuyo leitmotiv es el abandono, concepto que manifestó “es particularmente significativo para mí”.

Uno de los aspectos que más llaman la atención del film es el uso de pantalla cuadrada y de una puesta en escena estática en la gran mayoría de las escenas. Esto se debe a que “el trabajo con la directora de fotografía (Katelin Arizmendi) estaba centrado en focalizar los rostros y los cuerpos de los protagonistas, no el entorno alrededor de los mismos”. Esto además “me dio la posibilidad de resaltar la sensación de claustrofobia y dependencia de los cuerpos que están presentes, así como facilitar la labor del fuera de campo”. Esta puesta en escena tan estática, supone un mayor trabajo previo con los actores, a lo que posteriormente “añado el trabajo fotográfico, para acercar ambos al objetivo que tenía en mente”.

El excelente guion, firmado a medias con Orlando Tirado, proviene de “un proceso de trabajo muy complejo. Una vez tenemos la idea central, empezamos a recopilar una serie de imágenes que se relacionan con el tema. Confrontamos esas imágenes entre sí, lo que hace que se generen nuevas imágenes con diferente significado”. Esto provoca que los personajes sean libres, ellos mismos generan la historia e, igualmente, “la construcción del personaje se compone de un collage de imágenes”.

Finalmente, cuestionado sobre si los diálogos, todo un prodigio de calidad y naturalidad, fueron únicamente creados previamente en el guion o se habían improvisado alguno durante el rodaje, comentó que “todos los diálogos fueron creados en la escritura del guion, excepto en dos escenas en los que dejé algo de sitio a la improvisación a la actriz protagonista (Trace Lysette)”.

Es Monica una de esas películas que, como las buenas relaciones, van creciendo dentro del espectador, dejando un poso de haber sentido algo especial, incluso tiempo después de haber finalizado dicha experiencia.

Hoy sábado se celebró en el Toma 3 el primer encuentro “A una Coca-Cola de distancia” de esta edición del FICX. En ella participaron tres de los directores que presentan cortometrajes en la Sección Oficial: Leire Apellaniz (La Concha), Falcão Nhaga (Mistida) y Ken Rischard (Glimmen).

En un ambiente distendido y cálido, los protagonistas del encuentro se mostraron muy locuaces en sus intervenciones, aportando unos puntos de vista muy personales respecto a la creación cinematográfica en general y a la realización de cortometrajes en particular.

Leire Apellaniz no es novata en la dirección, pero en este caso es su primera obra de ficción y su primer cortometraje. Algo que “me ha permitido experimentar con libertad en la ficción”, la cual le da mucho respeto, aunque actualmente ya está trabajando en su primer largometraje de ficción.

Por su parte Falcão Nhaga, cuyo corto sucede en tiempo real manifestó que “los cortometrajes dejan mucho espacio a la interpretación del espectador”. A la pregunta de si le gusta el género documental, que es al que pertenecen los trabajos de sus dos compañeros comentó «me gusta la ficción sobre algo concreto y real, pero no me gusta el documental, mi ficción es mi verdad”. Su cortometraje es el trabajo de fin de carrera en la Escuela de cine y teatro de Portugal.

Finalmente Ken Rischard, el cual tiene una larga experiencia como diseñador de sonido, pero esta es su primera experiencia como director, manifestó las ventajas del cortometraje como “un formato de arte y de presentación de la creación propio, más condensado y que facilita que fluyan las emociones durante el rodaje”.

Como colofón a la charla, los tres directores estuvieron de acuerdo en que sus trabajos son películas humanas, con un sentido muy horizontal y comunitario, no el fruto de un talento individual. Un encuentro entre tres directores y el público presente en el Toma 3, para quienes los tres participantes ya no son sólo un nombre en el programa de mano, si no personas cercanas con un discurso tan inteligente y coherente como sus obras cinematográficas.

La vida de Elina Löwensohn podría servir de argumento de una película de ese Hollywood que le es tan ajeno a su manera de pensar. Tras trasladarse de su Rumanía natal a los Estados Unidos, se convirtió en la musa de dos de los directores del cine indie norteamericano de los 90, lo que marcó el rumbo de toda su carrera posterior como actriz.

En la rueda de prensa celebrada esta mañana, la actriz reconoció que “cuando estudiaba teatro, nunca pensaba en la idea de hacer cine, ya que no me sentía para nada identificada con nada de lo que significaba Hollywood”. Sin embargo, un día “Hal Hartley me vio en el teatro y me escogió para participar como actriz en el corto Meritocracia» (‘Theory of achievement’, 1991) y el largo ‘Simple Men’ (1991).

Asimismo, su encuentro con Michael Almereyda fue también casual, mientras trabajaba de camarera en un local al que era asiduo el director, quien no había visto ninguno de los dos trabajos de la actriz con Hal Hartley hasta ese momento. A pesar de ello, también la escogió como actriz para su siguiente proyecto, el cortometraje Another Girl, Another Planet (1992). Por ello Elina manifestó con rotundidad que “el inicio de mi carrera está marcado totalmente por el azar”.

Respecto a esa primera época como actriz de cine quiso matizar lo siguiente: “cuando estás viviendo una época artística es difícil ser consciente de la importancia de la misma. Es más adelante cuando te das cuenta de la relevancia de los trabajos que habías estado haciendo”.

En los últimos años ha ampliado su labor artística a otras facetas como directora y guionista. Algo que comentó que para ella “es como un juego, una manera de experimentar con textos e imágenes”, recalcando a continuación que ella se considera principalmente actriz.

Resulta totalmente lógico que haya sido precisamente el FICX, el que le haya dado su primer reconocimiento por más de 30 años de carrera en el cine. Una trayectoria que, tal y como comentó Bertrand Mandico, su habitual colaborador “una actriz es autora de su propia carrera, a partir de los papeles que acepta y de los que rechaza”, añadiendo que “Elina es la compañera de cine ideal, ya que es capaz de componer todo tipo de personajes y situaciones”.

Perteneciente a la Sección Oficial Tierres en Trance, se presentó esta mañana Hilos el primer largometraje del cineasta asturiano Tito Montero. Un viaje al pasado silenciado de su familia, a través de una búsqueda exhaustiva de datos y reflejado en un trabajo, que parte del retrato familiar, para finalizar en un grito mudo de rabia e impotencia ante las injusticias del mundo.

La película surge a partir de una pregunta hecha por su padre sobre si podría encontrar el lugar en el que murió su padre (el abuelo de Tito Montero), durante la Guerra Civil Española. Una cuestión que le hizo darse cuenta del desconocimiento que tenía sobre su abuelo, tan absoluto, que ni siquiera sabía su nombre. Era como si hasta ese momento no hubiera existido en su vida.

El cineasta comentó que los primeros pasos fueron muy complicados, en parte porque no sabía por dónde empezar y, en parte, porque algunos de los datos que le aportaron sus familiares eran erróneos. “El primer título que le di a la carpeta donde guardaba los archivos referentes a la película se llamaba Notas sobre el silencio”, en referencia al silencio tanto institucional como familiar, que había tenido la figura de su abuelo.

Lo que no tuvo ninguna duda en afirmar fue que “una película como Hilos es totalmente necesaria ahora mismo” añadiendo a continuación que “esta película funcionaría en cualquier lugar del mundo, pero donde me interesa que se vea es primero en Asturias y, a continuación, en España”.

La película finaliza con un fundido en negro acompañado por el sonido de la ‘Marcha d’Antón el neñu’. Al ser cuestionado por el uso de esta pieza musical asturiana, comentó que ese final “es un responso a los caídos en batalla y que fueron totalmente olvidados”.

Una obra pequeña, pero que se hace grande en el corazón del espectador por su sinceridad, su excelente narrativa y su enorme emotividad, la cual podemos sintetizar en casi la última frase que dijo Tito Montero acerca de su padre, “con el paso de los años entendí el cariño que había en sus ausencias”.

Al contrario que el pasado año, el tiempo atmosférico se presenta (de momento) muy benigno con el FICX. No obstante, a pesar del cielo azul, esta mañana ha sobrevenido un temporal en el Festival con la llegada de la actriz y directora portuguesa Maria de Medeiros, quien acude al FICX con una agenda repleta. No sólo va a recibir en la ceremonia de inauguración el Premio Especial 60 Aniversario, sino que también forma parte del jurado internacional y, no menos importante, viene a Xixón a presentar su último trabajo como directora: Aos Nossos Filhos.

La génesis de esta película se remonta al momento en que la autora teatral Laura Castro (Tania en el film), le envía el texto de la obra de teatro que había escrito y le ofrece el papel de la madre de la protagonista. Así, durante tres años, hizo el papel de Vera en una larga gira teatral, pero “siempre tuve en mente el poder adaptar el texto y realizar una película con él”. Un largometraje, que se diferencia en bastantes aspectos a la obra original, la cual “es un largo diálogo entre madre e hija”.

Manteniendo en todo momento una sonrisa y una actitud envidiable, Maria de Medeiros manifestó que con esta película “quería filmar a la clase media de Río en su día a día”, a esas personas que ni son los multimillonarios que viven en los rascacielos, ni los pobres que viven en las favelas. Asimismo “quería mostrar las diferencias entre las dos generaciones, las de la madre y su hija” así como las contradicciones en su manera de pensar.

No se mostró la directora en ningún momento recelosa de manifestar cuales habían sido sus influencias a la hora de llevar a cabo este proyecto. “Siempre tuve en mente a Almodóvar, así como a Ingmar Bergman, e incluso a Jacques Tati” y sorprendió a los presentes al manifestar que la película que más le influyó a la hora de recrear algunas de las escenas fue ‘El sexto sentido’ (‘The sixth sense’ 1999, M. Night Shyamalan).

Finalmente, se le preguntó por la razón de haber tardado 19 años en rodar de nuevo un largometraje de ficción, tras el éxito de su ópera prima ‘Capitanes de abril’. Con una perenne sonrisa en su rostro manifestó que “me encanta ponerme al servicio de los universos creativos de otras personas”, por lo que su trabajo como actriz le ha restado tiempo a su labor como directora. No obstante, en los últimos años ha realizado dos largometrajes documentales en solitario, así como otros dos en colaboración con otros cineastas.

Maria de Medeiros se encuentra en Xixón, estamos de enhorabuena por este hecho. Y ella está feliz de poder estar por fin en el FICX, que hoy comienza a celebrar su 60 aniversario. No desaprovechemos la oportunidad de formar parte de un evento tan importante para nuestra villa y para el mundo cinematográfico.